Lo mejor del 2011 (o por lo menos lo que pude escuchar) | Vol. 1

Un nuevo año está llegando a su fin, eso es cierto. Estamos en esa época en que empiezan a aparecer luces navideñas por todas las calles y arbolitos con bolas colgando en todas las casas. Estamos en esa época del año en que si no tenés como mínimo una pelopincho para remojarte las patas, mejor quedate encerrado porque te calcinás. Estamos en la época de fiestas de fin de año, despedidas, copas al atardecer en playas soñadas. Estamos en la época en que la gente, por lo general, está más contenta. Pero también estamos en época de balance, esos momentos en que te sentás un segundo y pensás "¿Estuvo bien este año?", "¿Me fue como la mierda o zafó?", "¿Qué estaría bueno que pase el año que viene?" y demás meditaciones profundas que todos experimentamos.

Entre esas meditaciones y esas retrospectivas, en un lugar muy importante de mi existencia está el balance del año en cuanto a todo lo que a música se refiera. El repaso de todo lo que salió en el año representa para mi una cuestión muy importante en estos días; y la conclusión que saco es que, como en los últimos años, las nuevas producciones de los artistas musicales en general no son para dejarte sin poder dormir. Pero sí son bastante buenas, lo suficiente como para tener esperanzas de un futuro más prometedor y talentoso, y para tener en vistas a los más jóvenes.

En cuanto a conciertos se refiere (y lo podrán chequear con la cantidad de post al respecto aquí) creo que este año fue uno de los mejores en nuestro país desde que tengo uso de razón "recitalística". Si me obligan a elegir un show como el mejor del año, creo que no podría. Fueron tanto los artistas que pisaron suelo argento y se comportaron de la mejor forma arriba del escenario, que no sé con cual quedarme. Hace mucho que cambiaron los engranajes de la industria musical y hoy en día lo más rentable para una banda (quizás lo único) es salir de gira y dejar lo mejor de sí en cada presentación, "laburar" digamos. Por eso dan cada vez mejores shows y tienen mejores propuestas. Pero Jane's Addiction en Puerto Madero, Mike Patton en El Coliseo, System of a Down y The Strokes en GEBA, Faith No More en el Malvinas o Pearl Jam en La Plata son solo algunas muestras de lo que pudimos ver en este 2011 por aquí.

Adentrándonos ya en lo que quiero contarles en esta serie de posts, voy a pasar en limpio y comentar todos los discos que pude escuchar este 2011 - de los que se editaron este 2011, claro -. Algunos altamente recomendables, otros altamente olvidables. Pero de la variedad vive el hombre y aquí están los primeros seis de esta tanda. Espero que les sea de ayuda, como lo es para mi.
Voy a dejar además un enlace a las descargas de los discos en cuestión para el que tenga ganas y no lo haya escuchado aún, lo haga ya.

Adele - 21

• El artista: Adele
• El disco: 21
• Mes de lanzamiento: Enero 2011
• El sello: Columbia
• El género: Soul, Pop, R&B
• El dato: Segundo álbum de la cantante inglesa de tan solo 23 años, dueña de una voz impresionante que puede derribar una pared o romper cristales con tan solo entonar una nota. El disco es una recolección de baladas ("Don't You Remember"), canciones Pop ("He Won't Go") y temas con ritmos de Rhythm & Blues ("Rumour Has It"), ese nuevo estilo de música que engloba a las mayores figuras de Pop de la actualidad (Rihanna, Alicia Keys, Amy Winehouse). 21 Fue un éxito apenas se lanzó a la venta, vendiendo más de 200.000 copias en Reino Unido durante la primer semana; cuestión algo insólita en estos tiempos de descargas en los que vivimos. Cuando el tiempo fue pasando y las cosas se estaban tranquilizando, Adele alimentó la expectación del público brindando una serie de shows excelentes que aumentaron aún más las ventas. Pero no por ser tan comercial se debe menospreciar el trabajo de la cantante, que ella sola lleva adelante durante todo el disco. Con mínima participación instrumental, con un gran trabajo de su productor Rick Rubin y con la voz de la inglesa siempre adelante, el disco cumple perfectamente con su cometido: encantar y enternecer.
• Ideal para: Una cena a la luz de las velas.
• La nota: Bueno 7.25
• El tema: "Rolling In The Deep". Uno de los temas del año. ¡Qué Voz!

• El link: Para descargar el disco, ACÁ

Asian Dub Foundation - History of Now

• La banda: Asian Dub Foundation
• El disco: History of Now
• Mes de lanzamiento: Febrero 2011
• El sello: Naive Records
• El género: Rapcore, Hardcore Punk, Reggae Dub
• El dato: Décimo álbum de la banda inglesa con fuertes influencias asiáticas en sus ritmos, y seguramente el mejor del grupo en toda su carrera. Cuando en 2006 el bajista y uno de los principales autores de Asian Dub Foundation (ADF) Dr. Das decidió retirarse del grupo, creo que fue lo mejor que le pudo haber pasado a la banda. De ahí en adelante editaron dos discos más: Punkara (2008, Naive Reocrds) y este que nos compete, mucho más eléctricos, más rápidos, con más ritmo que todos sus trabajos anteriores. Y si aquel disco del 2008 ya era bueno, este es buenísimo. De doce canciones en total solo tres de ellas son desechables, y solamente por el hecho de ser instrumentales y con una calidad un poco por debajo de las otras. Pero el resto del repertorio es para guardarlo y escucharlo cada vez que tengas ganas de quejarte de algo: del trabajo, de la política, de la sociedad, etc. Y es que ADF son ante todo eso, inmigrantes asiáticos viviendo en Inglaterra con mucho por decir, de hecho participan en todo movimiento social que se les cruce por adelante. Por ejemplo en la canción "This Land Is Not For Sale" utilizaron partes del discurso pronunciado en Atenco, México durante una protesta de la delegación Frente de Pueblos en Defensa de la Tierra. No voy a nombrar todas las canciones que valen la pena del disco porque son muchas, pero "New London Eye" o "History of Now" son unas de las mejores. Personalmente creo que este es uno de los discos del año.
• Ideal para: Hacerse piquetero.
• La nota: Excelente 8.75
• El tema: "Urgency Frequency". O cómo quejarse con estilo.

• El link: Para descargar el disco, ACÁ

The Decemberists - The King Is Dead

• La banda: The Decemberists
• El disco: The King Is Dead
• Mes de lanzamiento: Enero 2011
• El sello: Capitol Records
• El género: Indie Folk, Folk Rock
• El dato: Sexto álbum de estudio de la banda de Oregon, EE.UU. en el que continúan afianzándose en el ambiente Folk norteamericano. Un ambiente inverosímilmente competitivo y poblado de grandes grupos, un ambiente reflorecido con la aparición de los exitosos y famosos canadienses Arcade Fire. Y mucho beben los Decemberists de los AF, con canciones inclinadas a ser himnos, con una voz alta y clara por parte de Colin Meloy, con las cuerdas acústicas típicas del género, con letras "muy pastorales, muy rusticas" según ellos mismos dicen. Es decir, The King Is Dead es todo lo que un disco de Folk Rock debería ser, ni más ni menos. Tal vez por ser así, tan parecido a otros y sin aportar nada nuevo a la escena es que me parece un disco regular. Temas como "Don't Carry It All", "Down By The Water" y "All Arise" deberían atentar contra que este disco sea predecible, pero por alguna extraña razón no lo hacen.
• Ideal para: Salir a pastorear ovejas.
• La nota: Bueno 6.75
• El tema: "Calamity Song". Con estilo campechano y un tanto boba, pero es una gran canción.

• El link: Para descargar el disco, ACÁ

Radiohead - The King of Limbs

• La banda: Radiohead
• El disco: The King of Limbs
• Mes de lanzamiento: Febrero 2011
• El sello: XL Recordings
• El género: Rock Alternativo, Dubstep
• El dato: Octavo álbum de estudio de la banda más famosa de Oxford, Inglaterra. A cuatro años de su espectacular In Rainbows (2007, XL Recordings) este The King of Limbs resulta un pequeño bajón en su discografía. Un bajón y una decepción además, ya que cuando uno tiene grandes esperanzas en algo y ese algo resulta un tanto menos de lo que esperaba, tiende a desepcionar. La vida es así, no es la muerte de nadie. Que Radiohead haya sacado un disco ligeramente por debajo de su media (alta media, diría yo) no es para asustarse ni desgarrarse las vestiduras. Pero algo hay de cierto, este 2011 no fue el año Radiohead que todos esperábamos ansiosos. El disco se caracteriza por la ausencia casi total del genio Jonny Greenwood (guitarra) al cual se extraña bastante, y contiene mucho trabajo de bajo y batería; no creo estar muy desacertado al decir que este es el disco de Phil Selway (batería). A mitad de 2011 se comenzó a gestar el proyecto From The Basement (que también lo habían utilizado en In Rainbows) que consta de grabaciones en vivo de los temas del disco y le da un punto más de interés a The King of Limbs. Además están los remixes de las canciones a cargo de famosos DJs ingleses. Todo muy interesante, pero el disco... regular. Y ni que hablar del estúpido video de "Lotus Flower" con un Thom Yorke haciendo pasos de baile sin coordinación alguna, un fiasco.
• Ideal para: Esperar alguna segunda parte.
• La nota: Bueno 7.25
• El tema: "Lotus Flower". Tema Radiohead por excelencia, podría haber estado en cualquier disco desde Kid A en adelante.

• El link: Para descargar el disco, ACÁ

Beady Eye - Different Gear, Still Speeding

• La banda: Beady Eye
• El disco: Different Gear, Still Speeding
• Mes de lanzamiento: Febrero 2011
• El sello: Beady Eye Records
• El género: Rock Alternativo, Rock
• El dato: Álbum debut de la banda inglesa del ex-Oasis y hermano problemático, Liam Gallagher. Luego de que se anunciara en 2010 la separación de la gran banda de Manchester, cada hermano tomó su rumbo. No muy diferenciados entre sí, pero sí con ideas y propuestas distintas. Mientras Noel seguía escribiendo (en guitarra y letras) canciones parecidas a lo que hacía anteriormente junto a su hermano, Liam se distinguió. Me lo imagino en su departamento de Manchester, viendo al City por televisión jugando de visitante, tomando mil cervezas y escuchando discos de la década del '60; Rolling Stones, Beatles, The Kinks y The Who son los más obvios, pero también existen influencias de T. Rex y Small Faces. Y me lo imagino diciendo "Bueno, no voy a tener el talento que tiene mi hermano para escribir canciones, pero si hacemos algo como lo que estoy escuchando, nada malo puede salir. Voy a llamar a los chicos para ver si hacemos algo", y así se formó Beady Eye. Con grandes y variadas influencias y con los miembros restantes de Oasis que querían seguir en la ola del Rock. Este disco trajo nuevamente a nuestras tierras a Liam y su banda en noviembre. Un show bueno, pero con mal sonido. Los mejores temas: "Four Letter Word" bien The Who, "Kill For a Dream" bien Pink Floyd, "The Beat Goes On" bien The Beatles, y así con todas. En resumen Different Gear, Still Speeding no es el disco de Rock perfecto, pero por lo menos es variado y esto lo hace original.
• Ideal para: Terminar de escucharlo y ponerse con toda la discografía inglesa de la decada del '60.
• La nota: Bueno 7.25
• El tema: "Bring The Light". Y que los '60 vuelvan a rockear.

• El link: Para descargar el disco, ACÁ

R.E.M. - Collapse Into Now

• La banda: R.E.M.
• El disco: Collapse Into Now
• Mes de lanzamiento: Marzo 2011
• El sello: Warner Bros.
• El género: Rock Alternativo.
• El dato: Decimoquinto y último álbum de estudio de la banda de Georgia, EE.UU. con una larga e interesante historia en su espalda. Pero lo más increíble de la historia es que unos meses después de lanzar este disco, la banda con Michael Stipe al frente decidiera ponerle fin a sus más de treinta años de carrera. Todos pensábamos que Collapse Into Now los iba a poner en una nueva gira mundial, pero nos quedamos con las ganas. Del disco en sí no tengo mucho que decir, y eso ya es gran cosa. Es decir que me parece totalmente intrascendente, tanto para la historia de la banda como para las listas del año. No digo que sea un mal disco, es más "Discoverer", "Alligator Aviator Autopilot Antimatter", "That Someone Is You" me parecen temazos, de esos bien rompedores de estadios; pero el disco tiene doce temas, y el resto me suena bastante aburrido. Es una lástima que se hayan separado y más con este último disco de estudio. Cosa que no es tan así, ya que luego de la ruptura lanzaron Part Lies, Part Heart, Part Truth, Parth Garbage 1982-2011 un recopilatorio de rarezas de toda su discografía.
• Ideal para: Extrañar viejos tiempos.
• La nota: Bueno 7.00
• El tema: "Mine Smell Like Honey". Recuerden a R.E.M. como ellos hubieran querido que los recuerden.

• El link: Para descargar el disco, ACÁ

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Bueno, aquí termina la primer tanda de reseña de discos del 2011. Espero sus comentarios (cualquiera que sean) y nos leemos en la próxima entrega.

Deep Purple en Buenos Aires | 15/10/2011

Retrotrayendo mi memoria y mis recuerdos a un mes y medio atrás, revisando las entradas de los recitales de este año y chequeando mis crónicas de conciertos, me di cuenta que dejé algunos shows sin mencionar por aquí. Unos muy evidentes y especiales, y otros no tan resonantes ni comerciales pero sí muy emocionantes. Uno de estos últimos es el que voy a comentar hoy. Una nueva visita de una de las bandas fundacionales del Rock And Roll (con mayúsculas) como lo conocemos hoy en día.

Por supuesto me estoy refiriendo al recital que dio Deep Purple en octubre de este año en el mítico Estadio Luna Park. Por cuestiones ajenas al espectáculo ellos salieron a escena a las 21.00 hs, pero yo estaba llegando 21.20 hs. Muy irresponsable y pernicioso por mi parte, ya que me perdí de verlos hacer la explosiva "Highway Star" y varias más; y de encontrar un lugar más cómodo del que finalmente tuve. Así que todas las quejas que pueda tener de este show son exclusiva responsabilidad mía, porque la banda estuvo excelente.

Calculo más de siete mil personas en el estadio para esa noche, y haciendo un poco de estadística el 40 % sobrepasaba los 40 años de edad fácilmente. Este dato es importantísimo, primero porque da muestras de que la "gente grande" sigue disfrutando de este tipo de bandas que los acompañaron durante su juventud; y además demuestra que cerca de cuatro mil jóvenes argentinos saben apreciar el origen del rock, cuando este se les pone en frente. Es que la agitación, el entusiasmo y la excitación que se observaba en las primeras filas del campo fue digno de cualquier show de "banda moderna".

Una banda con casi 45 años de carrera (es cierto que estuvieron separados mucho tiempo a mediados de los '70) cuenta con las canciones suficientes para hacer un show bueno, emotivo y extenso. A las dos primeras cualidades las superaron ampliamente, la tercera no tanto. La duración de los shows en Argentina, y más si tenemos en cuenta la relación precio-cantidad, deja bastante que desear. Los artistas vienen, están una hora y media frente a su fiel público y se van (en el mejor de los casos). No estoy diciendo que esta sea la ocasión, porque me consta que Deep Purple puso lo mejor de sí ahí arriba, pero aprovecho la ocasión para hacer una queja formal al respecto.

Deep Purple - Knocking at your Back Door - Bs. As. 15/10/2011 | Fuente: Youtube

¿Qué puedo decir de los músicos? Por supuesto no son los mismos que se juntaron allá por 1967, pero casi. Ian Paice en la batería es el único de los miembros fundadores que sigue en la banda, y con una destreza y una fuerza impecables. Roger Glover en el bajo, con esa pinta de pirata de mala muerte dio un concierto ideal, con unas líneas de bajo bien definidas y con un sonido bien "setentoso"; además se dio el lujo de hacer un solo en los bises que estuvo más que bien. Steve Morse en guitarra con unos solos, unos arreglos y ese mítico riff de "Smoke on the Water", hizo brillar todas las canciones. Don Airey, que en 1998 reemplazó a Jon Lord en los teclados, también dio una muestra de virtuosismo y calidad musical extraordinaria; hasta se animó con un solo larguísimo de teclado en el que incluyó acordes de Piazzolla. Fue el que cumplió el viejo y comercial mito de ponerse la camiseta de la Selección Argentina de Fútbol al final del recital. Y por supuesto, por último nos quedamos con el que más flojea en la banda. Ese viejito simpático que lo podemos encontrar tranquilamente en una plaza de barrio, ese que de joven tenía una facha y una actitud que parecía que se iba a llevar el mundo por delante, ese es Ian Gillan y lo hizo. Se notaba que su voz flaqueaba y no estaba a la altura del resto del grupo, pero con actitud y personalidad la remó satisfactoriamente.

Todos juntos cumplieron magistralmente y se transformaron en una especie de máquina del tiempo musical. De repente me sentía en esos shows que vemos en video de mediados de los '70, en el que la gente estaba loca de verdad y la música los hacía viajar sin moverse del lugar en el que estaban. En muchos momentos del show de Deep Purple yo me sentía así, con canciones largas y en las que cada músico tenía su lugar.

Hicieron los clásicos ya nombrados "Highway Star" y "Smoke on the Water", pero también estuvieron "Lazy", "Maybe I'm Leo" y "Knocking at your Back Door". Mención especial para el instrumental "Well Dressed Guitar" en el que Gillan aprovechaba para descansar y refrescarse. Un total de quince canciones más dos de bises en el que sonó "Black Night". Parece poco (y tal vez lo fue), pero la longitud de las mismas y los solos intermedios cumplieron con el tiempo mínimo del que hablaba más arriba. ¿Si faltó algo? Pues claro, es una banda con más de veinte discos editados. Pero las ausencias más extrañas fueron "Burn" y "Child In Time" que todos las esperábamos ansiosos.

Deep Purple - Smoke on the Water - Bs. As. 15/10/2011 | Fuente: Youtube

En resumen:

• Sonido: 9 puntos. El Luna Park es muy traicionero. A veces puede sonar como una cafetera y a veces, como en este caso, puede tener una acústica perfecta.
• Duración: 5 puntos. Hago el mea culpa de haber llegado tarde, pero eso no es excusa para cortar el show en el momento que mejor la estaba pasando y quería más canciones de Deep Purple.
• Lista de temas: 7 puntos. Muy buenos temas clásicos. Pero si la gira se llama The Songs That Built Rock Tour, no puede faltar "Burn" 
• Locación: 8 puntos. El Luna Park. Escenario de todas las grandes cosas que pasan en esta ciudad. Ya se habló mucho de él, incluso por aquí, así que no voy a agregar nada más.
• Actitud de la banda: 9 puntos. Viejos simpáticos y con muchas ganas. Saben que en esta parte del mundo se los quiere mucho.
• Actitud del público: 10 puntos. Adultos, jóvenes y hasta niños disfrutando todos por igual y apoyando a la banda en todo momento.
• Emoción personal: 6 puntos. No estaba muy emocionado y no sentía muchas ansías a priori. Pero una vez ahí, los ingleses me hicieron sentir muy bien.
• Total: 7.50 puntos. Una de las bandas pilares del Rock se pasó por Buenos Aires y yo estuve ahí, como si el tiempo transcurrido entre los inicios de Deep Purple y desde que los empecé a escuchar no hubiera existido.

Fotos: RollingStone

Festival Pepsi Music - Día 3 - Primal Scream y Snow Patrol | 28/09/2011

Casi de casualidad, gracias a los servicios prestados de un gran amigo y sin ninguna intención previa, un día de semana cualquiera del pasado mes de septiembre tuve la oportunidad de asistir a otra fecha más del ya famoso Festival Pepsi Music; que ininterrumpidamente hace seis años viene dando alegrías y no tanto, en el ambiente musical argentino. En este caso fue el Día 3, el más alternativo si se quiere; aunque en mi humilde opinión está versión del festival fue la menos llamativa en general. La grilla de artistas no tuvo el renombre que sí tuvieron los años anteriores; y eso se vio reflejado en las boleterías y en el campo del Club GEBA. Sobraba lugar.

Como dije, llegué gracias a la generosidad de gente honesta, sin ningún tipo de ansiedad previa y creo que eso fue para mejor. Se presentaban dos bandas de Escocia, una de Glasgow y la otra de Dundee, una se creó a mediados de los '80 y la otra a mediados de los '90, a una la había escuchado un poco y a la otra ni por asomo, a una le daba una mínima esperanza de sorpresa y a la otra iba a ver qué onda. La primera es Primal Scream, la segunda Snow Patrol. Pero vayamos directo al grano.

- Primal Scream -

Los primeros en salir a escena luego de la caída del sol fueron los más viejitos. Los de Glasgow festejaban el vigésimo aniversario de la salida de su disco más famoso (y mi preferido de la banda) Screamadelica, ese que marcó un antes y un después en la forma de fusionar Rock con House electrónico y que tanto agradó a público y crítica a la vez. Eso es lo que yo iba a buscar en este concierto imprevisto: canciones de un disco clásico.

Y la verdad que no defraudaron en cuanto a eso. Arrancaron como se debe con "Movin' on Up" y siguieron con una lista de temas que se basó mucho en su Opera Máxima. Ahí estuvieron "Don't Fight It, Feel It" con un Bobby Gillespie en la voz que parecía recién salido de la película Trainspotting, "Damaged" que en su parte más emotiva sufrió un bajonazo de sonido imperdonable y "Higher Than The Sun" con esos diseños lisérgicos en las pantallas del escenario y contando con Denise Johnson, la morena y corpulenta cantante de Gospel que acompañó a los escoceses durante gran parte del show. Ya para el final, dejando lo más poderoso, estuvieron "Loaded", dedicada por Gillespie a Diego Maradona, "Jailbird" y "Rocks", ese himno rockero que hasta pareció desubicado después de tanto baile.

Primal Scream - Movin 'on Up - Bs. As. 2011 | Fuente: Youtube

Personalmente me sentí muy bien durante todo el espectáculo, disfrutando mucho de la "voladura" mental de Gillespie y compañía. Acompañando esos sentimientos, moviéndome a ritmo y cantando como un poseso. En algunos pasajes era tal la limadura de la banda, la longitud de las canciones y la monotonía, que se hacía un tanto aburrido; pero en general estuvo todo muy bien, con la poca gente que había en GEBA bailando y alentando cuanto podía.

Nota: 7 Screamadelica casi tocado de forma completa. Pocas veces se puede presenciar una cosa así.

- Snow Patrol -

Como lo mencioné más arriba, no conocía ninguna canción de los escoceses más jovenes que se presentaban esa noche; luego mientras avanzaban las canciones, y se iba poniendo todo más caliente, me di cuenta que sí conocía algunas. Es que "Chasing Cars" y "Shut Your Eyes", por ejemplo, son tan populares que seguramente las habrás escuchado en la radio o en los canales de música igual que yo. Este desconocimiento y el hecho de que no hacen el estilo de música que más me gusta (un Rock melódico y cursi), no influyeron para nada en que la haya pasado muy bien con esta joven banda en el escenario.

Todo lo contrario. El carismático y empalagoso vocalista Gary Lightbody (que dicho sea de paso me pareció una copia pobre de Eddie Vedder, musicalmente hablando) me cayó muy bien, bromeando todo el tiempo con el público, saludando a cada tren que pasaba cerca del club GEBA, animando y cantando partes de las canciones en castellano; es decir, un loco lindo. Además el sonido y el trabajo de la iluminación fueron perfectos, mucho mejor de lo que fue con Primal Scream; tanto es así que parecía otro recital. La gente (la poca que había) también la pasó muy bien, en especial la mayoría de chicas que hubo esa noche - Ya dije que la banda es bastante cursi -.

De la lista de temas no puedo hablar, pero por lo que decía el cantante, me pareció que tocaron muchas canciones de su aún no estrenado disco Fallen Empires. Para mi todas eran nuevas.

Snow Patrol - Chasing Cars - Bs. As. 2011 | Fuente: YouTube

Nota: 7 Estuvieron muy bien y arruinaron mi idea de irme a casa apenas terminara el show de Primal Scream.

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Hasta aquí la crónica de la última fecha de uno de los festivales más famosos del país, pero que en esta ocasión su grilla no estuvo a la altura.
Comentarios, más abajo.

Fotos: RollingStone

Arturo Sandoval en Buenos Aires | 20/09/2011

Cambiando un poco el target de los recitales que venía viendo durante este y los años anteriores, y dejándome llevar un poco por mi nuevo capricho musical, en septiembre pasado estuve en un concierto que cumplió con todos los clichés que la palabra encierra. Fue en un teatro, sentado en una butaca tapizada en cuero, con un acomodador que me acompañó hasta mi asiento y me vendió un "programa", con un telón abierto y un conjunto de instrumentos (piano, batería, percusión y sección de vientos) que después serían magistralmente ejecutados; aunque no fueron ni sombra del instrumento principal que se presentaba aquella noche.

El sonar de la trompeta del genial músico cubano Arturo Sandoval fue como escuchar una cascada de fresca agua cristalina cayendo sobre mi cabeza en un día de verano. Apenas lo vi aparecer con su Bach 3 C fileteada y sacar de ella esos ritmos impresionantes, una sonrisa estúpida comenzó a aparecer en mi cara.

A las 21.30 hs - media hora más tarde de lo que anunciaba la entrada con expresa puntualidad - los músicos, todos argentinos, salían a escena luego de que el propio Sandoval junto al bandoneonista Lautaro Greco hicieran una emotiva versión de "El Día Que Me Quieras". Ya ocupando cada uno sus lugares del esplendido pero ya viejito Teatro Gran Rex de Buenos Aires, se despacharon un salzón como todo buen cubano debería saber hacer; un tema que acrecentaba mis esperanzas de lo que vería esa noche. Esperanzas que no se vieron cumplidas del todo.

Y digo del todo, ya que mi idea de una noche con una figura tan galardonada por su música caribeña, movida y con ritmo, no era aburrirme tanto en algunos pasajes. Es que sus arrebatos solistas al piano o sus boleros a dúo bajaron mucho el nivel de adrenalina de todo el espectáculo. Además, Sandoval es tan estrella que quiere hacer todo él mismo; y no es que no pueda, sino que una persona con esa predisposición mas que un fenómeno me resulta un pedante. Aparte de la trompeta, tocó el piano, cantó, simuló con su voz ser la trompeta de Dizzy Gillespie (su maestro y amigo), invitó a más de diez artistas al escenario (en distintas canciones estuvieron Gustavo Bergalli, Valeria Lynch, Monica Mancini, María Volonté, Gillespi - el trompetista y conductor de radio -, Greg Field su manager y baterista y hasta el empresario Jorge Fort amigo del cubano), dirigió la orquesta, se enojó con el iluminador; es decir, todo un divo.

Pero esto no mancha ni por asomo la calidad musical que el caribeño y su orquesta demostraron: cada canción duraba decenas de minutos solamente por el hecho de que cada uno de los músicos (en especial el pianista Alvaro Torres) se lucía con un solo particular de su instrumento. Por supuesto, el más destacado fue el maestro Sandoval, sacandole notas a la trompeta que para cualquier amateur se ven imposibles; tengo la plena seguridad de haber escuchado la nota más aguda y la más grave que ese instrumento puede sacar, todo en la misma noche. Sus solos y participaciones impresionaban, hacían sonreír a la audiencia, invitaban a bailar. Producían lo que todos fuimos a buscar, emoción.

Arturo Sandoval - Salzón - Bs. As. 20/09/2011 | Fuente: Youtube

Durante la noche sonaron varios de sus clásicos y se ejecutaron muchas canciones ajenas, Gillespie y Clifford Brown fueron los más elegidos. El cubano recorrió todos los géneros a los que se lo asocia como músico; por ejemplo, ahí estuvieron el Jazz en "Birks Works", el Bolero en "La Gloria Eres Tú" junto a María Volonté, el Tango en el ya nombrado "El Día Que Me Quieras", el Mambo en "And Then, She Stopped", el Blues en "Blue Monk", un instrumental dedicado a los pueblos de América del Sur llamado "Sureña" y hasta música de películas en "Mambo Hot" de Los Reyes del Mambo, película de 1992 que contó con su participación en la banda sonora. Al finalizar el show (sin ningún bis de por medio) la Legislatura del Gobierno de La Ciudad de Buenos Aires le otorgó la condecoración de Huésped de Honor de la ciudad. Todos los presentes pensábamos en ese momento que por la emoción de la distinción haría un par de temas más, pero no, el divismo de Arturo volvió a aflorar y él no regresó para presentarse ante una audiencia que lo esperaba ansiosa.

Arturo Sandoval - Birks Works - Bs. As. 20/09/2011 | Fuente: Youtube

En resumen:

• Sonido: 9 puntos.¿Qué puede sonar mal en un lugar como el Teatro Gran Rex?
• Duración: 7 puntos. La duración total no estuvo mal, pero su actitud de no hacer bises (aún cuando todo el público se lo estuvo pidiendo por más de diez minutos) me molestó un poquito.
• Lista de temas: 6.50 puntos. Arturo Sandoval es un artista con más de cuarenta años de trayectoria, imagínese usted estimado lector la cantidad de canciones que tiene en su haber. De ahí se deduce que cualquier selección de temas que elija será la correcta, pero pongo un ejemplo: un espectador exigente le podría pedir sus mejores éxitos o sus mejores interpretaciones, un espectador intermedio (como me considero) le podría pedir que entretenga durante todo el show y que el ritmo no decaiga, y un espectador llamémosle flexible, le podría pedir que se presente en nuestro país y nada más. En esta ocasión, el show estuvo entre lo que pediría el segundo y el tercer espectador, con temas que bajaban mucho la expectación general.
• Locación: 9 puntos. El Gran Rex, uno de los clásicos teatros porteños. Con mucha historia, muy pintoresco y una excelente acústica. Tal vez ya sea hora de cambiarle las butacas, pero nada más.
• Actitud de la banda: 6 puntos. Con una personalidad un tanto soberbia que no esperaba de él, tal vez a otros les habrá gustado, pero personalmente me molestó un poco.
• Actitud del público: 5.50 puntos. Peor que la actitud del artista me pareció la del público, que no le puso la alegría suficiente en los momentos que lo requería y molestaba en los momentos de silencio.
• Emoción personal: 7.50 puntos. Previamente estaba muy ansioso por ver qué hacía este excelente músico en vivo. Luego esa emoción se mantuvo a base de habilidad y buenos ritmos.
• Total: 7 puntos. El slogan de presentación del show decía "El mejor trompetista del mundo", a mi no me quedó ninguna duda.

Fotos: Alvaro Gorbato

System Of A Down en Buenos Aires | 05/10/2011

¡Qué de recitales, por favor!
Tengo la suerte de estar presenciando una cantidad de shows tal que no me da tiempo a ir escribiendo las crónicas simultáneamente mientras otro nuevo show está al caer. Pero no me estoy quejando, eh! Que se entienda. Me encanta que haya tanta variedad y número de recitales para poder disfrutar de buena música nacional e internacional. Los que me conocen personalmente saben que no soy muy partidario de las políticas de nuestro Gobierno Nacional, pero si se debe a ellos que todas estas grandes bandas estén pisando suelo argentino, bienvenidos sean; tanto así como si se debiera a Dios y María Santísima, muchas gracias a ellos.

Pido disculpas a los lectores por la demora que sufrió esta crónica. Pero tanto cuestiones personales como musicales hicieron que me lleve un tiempo considerable ponerme a escribir esto.

El día 5 del presente hacían aparición por primera vez en nuestro país y en la región, una banda que se creó a fines del siglo pasado. Personalmente, al principio y como con otras tantas, me parecían una "bandita" más de ese sub-género degenerado, mal llamado Nü Metal; que mezclaba cosas guarras del Heavy Metal con el Pop y la electrónica más pastosas. Todos los que escucharon alguna vez System of a Down saben lo equivocadísimo que estaba; nada se encontraba más alejado de la realidad que lo que yo pensaba. Por suerte, la música y el tiempo siempre nos dan muchas oportunidades, y cuando escuché esa mezcla de Thrash Metal, Rap, ritmos árabes, percusión y altas dosis de virtuosismo musical me sentí muy arrepentido por el tiempo perdido.

La cita fue en el pintoresco escenario del Club GEBA, en su sede de Palermo. Allí, con varias formaciones de trenes pasando cada tanto (incluso algunas frenaban o disminuían su velocidad al pasar), se desarrolló una muestra de energía, ritmo y liberación general que me sorprendió gratamente. Mucha cantidad de gente (más de 20.000) la mayoría jovencitos, ya que como dije la banda es bastante nueva - aunque ya lleven 15 años de carrera - estuvieron disfrutando todos como niños y saltando a más no poder; así le dieron la bienvenida al grupo armenio-americano que arrancó la noche con "Prison Song" y no paró de tocar hasta dos horas después. Algo que me recordó, muy en el fondo, a aquellos míticos recitales de Los Ramones que hacían un tema atrás de otro sin parar.

Como lo mencionaba, System of a Down se formó en el año 1995, pero recién en 1998 editó su primer álbum homónimo. Luego de más de diez años en el ruedo, en el año 2006 decidieron separarse (o tomarse un tiempo) tras lanzar sus vanagloriados Mezmerize y Hypnotize (2005, Columbia Records). En ese momento todos los sudamericanos sentimos una pena y una lástima terrible por nunca haberlos tenido en directo. Pero a fines del 2010 una idea (o mejor dicho, unos billetes) nos devolvió la esperanza a todos: SOAD se volvían a juntar. Esa esperanza se vio plasmada a mediados de este 2011, cuando con bombos y platillos se anunciaba su visita al país.

System of a Down - Forest - 05/10/2011 | Fuente: Youtube

Pero hablemos del show en sí; como ya dije, mucha energía (Shavo Odadjian y John Dolmayan no dejaban de golpear el bajo y la batería respectivamente), mucho conocimiento y excelente ejecución de un estilo de música único (Daron Malakian en la guitarra con esos solos, cortes, riffs y coros especiales) y mucha adrenalina, garra y sabiduría en el escenario (Serj Tankian con una voz impecable que no sabés de donde la saca, con esa pinta de vendedor de ropa del Once que tiene, sorprende).

Los momentos más altos que personalmente sentí (y hubo varios) fueron el combo "Bounce" + "ATWA" con esos gritos de "Pogo, Pogo, Pogo" que incitaban sencillamente a eso, los más saltados (incluso por quien les escribe) "Cigaro", "Toxicity" y "B.Y.O.B", y el final con "Sugar" muy emocionante. Hicieron treinta canciones durante dos horas, mucho más de lo que todos esperábamos, y no faltó casi nada. Su actitud de no salir de escena ni un solo minuto y no tocar ningún bis me agradó muchísimo. Me dio la pauta que todavía existen bandas pura y exclusivamente de Rock, que están para eso, tocar Rock y nada más.

System of a Down - Toxicity - 05/10/2011 | Fuente: Youtube

En resumen:

• Sonido: 8.50 puntos. Empezó tambaleando, pero mientras avanzaba el show se iba acomodando y mientras más me acercaba al escenario, mejor sonaba.
• Duración: 10 puntos. Dos horas. Pero no fue la duración total lo que me gustó, sino la actitud de no parar un segundo.
• Lista de temas: 9 puntos. No soy muy conocedor de los nombres de las canciones de SOAD y no me sé su discografía al detalle, pero cuando estaba en el medio del concierto y decía "ya está, ya tocaron todas" empezaba una melodía conocida y no paraba de saltar. Con esto quiero decir que, en mi opinión, no faltó nada.
• Locación: 8 puntos. Un lugar muy lindo el Club GEBA. Con buen sonido, buenos espacios, los trenes alrededor. Pero para salir de ahí ¡Qué odisea!
• Actitud de la banda: 8.50 puntos. Me fui encantado con la postura del grupo de tocar todos los temas seguidos e irse. Pero tal vez faltó un poco de emoción con los cantitos del público y esas cosas que nos compran.
• Actitud del público: 8.50 puntos. Muchos jovenes, eso acarrea mucha energía, muchas pilas, muchas hormonas desperdigadas, mucho pogo, mucho salto, mucha excitación, muchos gritos. Todo lo que un público argentino debe ser.
• Emoción personal: 9 puntos. Sentía mucha curiosidad por ver cómo demostraban en vivo las espectaculares canciones de estudio, eso me satisfizo. Pero además, me dieron un plus extra que me elevó a 30cm del suelo en muchas oportunidades.
• Total: 8.75 puntos. Gracias a System of a Down por haberse criado en Estados Unidos y ser lo menos norteamericanos que se puede ser. Y ojalá esta gira les dé ganas de grabar algo nuevo.

Fotos: RollingStone

Red Hot Chili Peppers en Buenos Aires | 18/09/2011

Segundo día consecutivo de concierto en la ciudad de Buenos Aires. Esta vez al norte de la ciudad, en ese gran estadio, de ese Club que tantos problemas tiene actualmente. Luego de que en el mes de mayo de este año se destruyera parcialmente la locación por los inadaptados del fútbol y de las famosas quejas de los vecinos por el volumen y la vibración que sufrían cada vez que un show se presentaba allí; se estuvo en duda de que el recital de Red Hot Chili Peppers se hiciera finalmente en el Monumental de River Plate. Y creo que otro lugar le habría sentado mejor a la velada.

Hacía casi una década que los californianos no se presentaban en nuestro país. En aquel entonces, en el estadio de Velez Sarsfield, daban a conocer su disco By The Way (2002, Warner Bros. Records). Dos placas más sacaron al mercado antes de volver - una de ellas doble - y ya se los extrañaba. Sobretodo yo, que nunca pude verlos en vivo; y eso que la considero una gran banda y que su época '90 influyó mucho en mis gustos musicales, y además Flea me parece uno de los mejores bajistas del mundo. Pero sigo insistiendo que otro sitio hubiera sido muy acertado para realizar esta función; y más teniendo en cuenta que no llenaron el Monumental de gente como para decir que en otro estadio no entraban. 58.000 personas caben tranquilamente en el José Amalfitani por ejemplo, y ahí se podría haber subido el volumen de la música mucho más y se habría disfrutado el doble. Sigo pensando en eso y me da lástima, por lo que nos perdimos aquella noche de domingo en Nuñez.

Como todo esto se trataba de una fecha del ya famoso festival nacional Pepsi Music, varias bandas tocaron antes. Primero, bien temprano, lo hizo el nuevo conjunto que armó el ex-Attaque 77 Ciro Pertusi, Jauría, luego el ascendente (ya era hora) Massacre. A ninguno de los dos llegué a escucharlos. A los que sí escuché varios temas fue a los ingleses Foals, que venían a presentar su último trabajo Total Life Forever (2010, Transgressive Records) y sonaron muy bien, con un Yannis Philippakis (voz) muy encendido y animado. Su temazo "Spanish Sahara" fue casi un himno en la noche porteña.

Luego de ellos, bastante después, a eso de las 21.30, aparecían los cabeza de cartel Red Hot Chili Peppers con un Chad Smith en la batería a lo Will Ferrell como siempre, un Flea bien caserito de jogging y capucha, un flaco que se parecía mucho (postura, ropa, cara, manera de tocar, movimientos) a John Frusciante (ex guitarrista del grupo), pero que no era Frusciante sino su reemplazo, el más que aceptable Josh Klinghoffer, y un Anthony Kiedis con su nuevo look indefinible (¿camionero surfista?¿pendeviejo?¿mezcla de años '20 con '90? la verdad no se como identificarlo). Arrancaron muy abajo - en sonido estoy hablando, porque el tema no es malo - con "Monarchy of Roses" una canción de su nuevo trabajo I'm With You (2011, Warner Bros. Records) lanzado hace casi un mes y ya presentado en directo. Desde ahí, salvo algunos delirios cuasi-improvisados de los instrumentos, todo fue en ese tono.

Red Hot Chili Peppers - By The Way - 18/09/2011 | Fuente: Youtube

Musicalmente perfectos, los Red Hot demostraron que no tienen 30 años en esto del Funk-Rock al cuete. Flea se movía por todo el escenario con su virtuosismo y versatilidad. Sin dudas fue el protagonista de la función y el más aplaudido; Smith lo acompañaba fluidamente como esos futbolistas que juegan juntos desde hace años y se dan pases de memoria; Y Klinghoffer no se quedaba atrás. El guitarrista tenía una dura misión que cumplir en el escenario de esa noche: hacer que la gente se olvide de Frusciante; obviamente eso fue imposible, pero a fuerza de buenos solos, actitud, machaques y buenos riffs, el violero se ganó la admiración de muchos, incluido yo.

Todo esto, así como lo leen, suena a un recital buenísimo, "de puta madre". Pero el sonido, la lista de temas que eligieron, la horrible visibilidad que sufrí en todo el show (me moví por todo el campo y nunca vi nada) y la duración del mismo, hicieron que no haya disfrutado tanto como lo había pensado de un concierto muy esperado. Muchas de estas cosas no son culpa de la banda; ojo, yo no los estoy culpando 100% a ellos, pero como sensación general me fui muy defraudado.

Red Hot Chili Peppers - Factory of Faith - 18/09/2011 | Fuente: Youtube

Los mejores temas fueron "Right On Time" en la que oí varias veces en el público la frase "este tema nunca lo escuché", obviamente de parte de adolescentes que recién empiezan con esto, demoslés una oportunidad. "Higher Ground" ese exquisito cover de Stevie Wonder que supieron popularizar en los '90. Y la que más me sorprendió - que en el disco no me gusta tanto - "By The Way", la más saltada de la noche.Tocaron en total dieciocho canciones, de las cuales ninguna fue del disco One Hot Minute (1995, Warner Bros. Records), aquel amado-odiado en el que participó Dave Navarro en la guitarra; solo una de la década del '80 (aunque eso era comprensible) y muy pocas de un disco que a mi me gustó mucho que fue el Stadium Arcadium (2006, Warner Bros. Records). El recital estuvo bien, podría haber estado infinitamente mejor.

En resumen:

• Sonido: 5 puntos. Odio cuando voy a un recital y escucho más lo que habla la gente que tengo al lado que a la propia banda que está tocando.
• Duración: 8 puntos. Hora y media. En otros artistas no está mal, pero Los Red Hot son una banda con 10 discos editados, no pueden quedarse tan cortos.
• Lista de temas: 3 puntos. Se tocaron casi entero el último disco que salió hace menos de un mes. Está bien que es una gira presentación, pero ¡pónganse las pilas!
• Locación: 6 puntos. No voy a poner en tela de juicio al Estadio Monumental, es un lugar hermoso. Pero si no se puede subir el volumen de la música y el campo va a ser tan incómodo, es horroroso.
• Actitud de la banda: 9 puntos. Mucha garra de parte de todos, pero principalmente de Flea y Kiedis que no pararon de saltar y moverse.
• Actitud del público: 5 puntos. No se si porque se sentían defraudados o porque era domingo y había que cuidarse para el lunes volver a las obligaciones habituales, pero la gente estuvo bastante amarga.
• Emoción personal: 7 puntos. Tenía muchas ganas de ver tocar a Flea en vivo, y el resto de la banda siempre me gustó. Pero por todo lo mencionado antes (principalmente el no poder ver al bajista hacer lo suyo cómodamente) no la pasé muy bien.
• Total: 6 puntos. Vuelvan Red Hot, pero haganlo en un lugar que los dejen romper todo a sus anchas.

Fotos: PepsiMusic, RollingStone

Mike Patton's Mondo Cane En Buenos Aires | 17/09/2011

Comenzando con la nueva oleada de conciertos en esta segunda parte del año en nuestro país, este sábado pasado no podría haber arrancado mejor. Y es que mi ídolo musical de más de una década se presentaba con un formato atípico en él (si es que este muchacho tiene algo típico) y en un teatro muy ameno. Todos conocerán (no digo recordarán porque aún se están despidiendo) al famoso conjunto estadounidense que ayudó a revolucionar la música Rock-Metal en la década de los '90, aquel grupo que fusionando Metal, Funk, Rock y algo de Hip-Hop marcaron un rumbo para muchos. Ellos son Faith No More, pero ya tendré tiempo para hablar de ellos; hoy nos compete el segundo cantante de esta formación (que obviamente no es lo único que hizo). Mike Patton, ese ya no solo genial cantante, sino compositor y co-director de orquesta que se animó hace unos años, gracias a los cariños de su ex-esposa, a emprender un proyecto en el que interpretaba (junto a cantidad y calidad de músicos) canciones clásicas Pop italianas de las décadas '50 y '60.

La historia comenzó allá por el año 2007 cuando Patton vivía con su encantadora esposa (y también artista) Titi Zuccatosta en Bolgna, Italia. Dice que estuvo escuchando la radio mucho tiempo mientras estuvo allí y le llamaron la atención las canciones que pasaban. Se puso a investigar y descubrió que se trataban de clásicos de la música Pop de ese país. Algo así como si viniera a vivir a Argentina y se vuelva loco con canciones de Palito Ortega, Sandro, Cacho Castaña, etc. La cosa es que se emperró tanto con la idea, que junto al trompetista Roy Paci y varios músicos italianos, decidieron crear el proyecto Mondo Cane, con el nombre de aquella gloriosa película italiana, y comenzaron a brindar shows por toda Europa con gran aceptación de público y crítica. Así llegó el momento en el 2010, de plasmar toda esa genialidad que se vivía en directo en un disco de estudio. Una apuesta jugadísima de un músico que no le tiene miedo a nada.

Con todo ese background detrás, el gran Mike se presentó en nuestro país el sábado 17 (también estuvo el domingo, pero yo no estuve ahí, otros noventeros requerían mi presencia...) en el Teatro Coliseo, un lugar precioso y comodísimo para ver un show de estas características en cualquier sector. Estuvieron junto a él el argentino Ezequiel "Cheche" Alara en la dirección orquestal, Enrico Gabrielli en vientos (remplazando al excelente Paci, la ausencia más sentida), una docena de violinistas de la Filarmónica de Buenos Aires, tres hermosas y aptas coristas y hasta Trevor Dunn en bajo y contrabajo (ese muchacho que lo conoce a Patton desde que tiene 17 años y tocaron juntos en Mr. Bungle y Fantômas).

Mondo Cane - Urlo Negro - 17/09/2011 | Fuente: Youtube

El telón del Teatro Coliseo se levantó, con unos mínimos traspiés, pasadas las 21 hs. Allí se lo vio por primera vez a Mike con su elegante look de traje negro a rayas y pelo engominado hacia atrás, sentado en medio de una orquesta bastante heterodoxa formada por las mencionadas cuerdas, batería, piano de cola, laptop y hasta un theremín. Inmediatamente después de la ovación que se produjo al verlo, comenzaron los primeros acordes de "Il Cielo In Una Stanza", esa adorable canción que popularizó la cantante italiana Mina y que le viene al pelo a Patton, con todo ese juego vocal del cual es capaz. De esa manera comenzaba una velada que para la mayoría de los que estábamos ahí iba a ser única.

No es que las canciones sean cosa de decir "¡Qué bruto, qué buen tema!", pero es que tanto la enorme interpretación del cantante californiano, como del resto del conjunto, ponían la piel de gallina hasta al acomodador del teatro que justo pasaba por ahí. Tanto es así que uno podía dejar de prestar atención al vocalista (si tenías la desfachatez de hacerlo) y disfrutar plenamente con cada mínimo "ruidito" que producía el resto de los instrumentos: un percusionista excelso, un baterista con pinta de oficinista pero que cuando se tenía que poner rudo ni lo dudaba, unas coristas que hasta acompañaban chascando los dedos, un director de orquesta que se colgaba a tocar los teclados; una delicia total, una sensación tal que me llevaba desde la punta del asiento por la expectación, a acurrucarme del miedo. Cosas que solo la música puede provocar, cosas que solo Mike Patton puede provocar.

Mondo Cane - Ti Offro Da Bere - 17/09/2011 | Fuente: Youtube

Siguiendo con la lista de temas vinieron la enérgica "Che Notte!", la apabullante "Ore D'amore", la divertida "20km Al Giorno"... etcétera, etcétera. Lo que me llamó la atención, no en ese momento sino luego cuando lo leí, fue que la lista de temas es idéntica a la que viene haciendo hace tres años, incluso el orden es el mismo. No es una queja, sino algo que me llama la atención. Personalmente las que más me gustaron fueron "Urlo Negro", la mejor del disco de estudio y en la que Patton es más Patton que nunca,  "Di Come Ti Amo" con esa atmósfera palpable que solo en esta versión del californiano se hace evidente, "Storia D'amore" la que más me sorprendió (por un momento pensé que estaba viendo a Faith No More junto a una orquesta), y una mención especial para esa versión colgadísima de "O Venezia" que tanto disfruté. Guardado en un cajón queda el recuerdo de Mike pidiendo un "amargo" a Alara y cambiando la letra del tema "Una Sigaretta" por "Una Matecita", un grande.

Mondo Cane - Storia D'amore - 17/09/2011 | Fuente: Youtube

En resumen:

• Sonido: 10 puntos. ¿Qué se puede pedir de uno de los teatros más íntimos de la Ciudad y de una orquesta de 25 personas? En "Il Cielo In Una Stanza" pensé que el contrabajo eléctrico de Dunn iba a demoler el lugar.
• Duración: 9 puntos. Hora y media de show, tal vez parezca poco, pero tocó todos los temas del proyecto, y creo que más habría arruinado el efecto mágico.
• Lista de temas: 9.50 puntos. No faltó ni sobró nada, estuvo todo. La de la matecita tal vez estuvo de más...
• Locación: 9 puntos. Hermoso teatro que no conocía. Tal vez quedó un poco chico el escenario, pero la acústica y la visión fueron perfectas, por lo menos desde donde estaba yo.
• Actitud de la banda: 9 puntos. Patton estuvo muy animado y se lo notaba contento. Quizás se le podía pedir un poco más de contacto con el público, pero en un show de esta índole creo que está bien así.
• Actitud del público: 6 puntos. No me gustaron los gritos desubicados de la gente en cualquier momento de silencio (aunque algunos eran muy originales), y no me gustó que en las partes más potentes el público parecía estático. Hasta el propio cantante en un momento pidió que todos se alzaran de su asiento.
• Emoción personal: 10 puntos. Es Mike Patton loco. Y cantando canciones en tano. ¿Cómo querés que esté?
• Total: 9 puntos. Questo ragazzo è un Capo! Y se sigue reafirmando cada vez más como mi ídolo musical.

Fotos: RollingStone

Ok Go - ¡Qué buenos videos! (aunque sea lo único que tienen)

Todos sabemos que hay bandas y artistas musicales para todos los gustos y colores, no estoy descubriendo la pólvora con este comentario; es más, es bastante estúpido para el inicio de una nota. Pero no encontré otra forma de empezar a hablar de esta banda (es bastante estúpida, o simplona mejor dicho) que hace unos videos musicales dignos de mención.

Como decía, hay música para todos, o mejor si lo quieren, músicos para todos. Están los que producen música tranquila para momentos amenos y relajantes, están los que hacen música atrolladora y desgarradora para sacar lo peor de nosotros, y están también los que hacen música pasajera o en realidad no aportan nada al género musical, pero sí a sus anexos. Este es el caso de la banda que hoy les presentaré.

• La Banda: Ok Go
• Historia: Se formó a fines de los '90 cuando los cuatro integrantes originales se conocieron entre la escuela secundaria y la universidad en Chicago, EE.UU..
• El género: Indie Rock, Rock alternativo, Power Pop.
• La perla: Su extraño sentido de la moda y sus excéntricos y reconocidos videos musicales.
• El dato: Uno de esos videos, "Here It Goes Again" que los hizo famosos, ganó el premio Grammy al mejor video musical en 2007. Ese fue el inicio de una búsqueda perpetua por mejorarse constantemente.
• Ideal para: Poner el reproductor automático de YouTube y no parar de disfrutar.

Ok Go - Here It Goes Again - Oh No | Fuente: Youtube

Estos cuatro muchachos de Chicago tienen un don natural para crear imágenes en movimiento que sirven  de apoyo a su música (la mayoría de las veces más importante que esta misma). Con innovaciones técnicas y argumentales, que si bien se habían visto antes, nunca fueron tan originales. Además, marquetineramente hablando, todos estos videos les sirvieron para presentarse al público en formato single. En estos tiempos que corren, es una buena jugada; si no sos una banda reconocida, nadie compra tus álbumes de larga duración, pero si te ven en MTV haciendo cosas copadas, irán a buscar esa canción.

Si hablamos particularmente de su música, me parece por demás aburrida, monótona y nada original. Todo lo contrario a sus presentaciones audiovisuales. Tienen tres discos en la calle: Ok Go (Capitol, 2002), Oh No (Capitol, 2005) y Of The Blue Colour of The Sky (Capitol, 2010) de los cuales, si te conocés un tema, sos muy seguidor de la música alternativa estadounidense. Con esto quiero decir que los Ok Go no serán reconocidos dentro de 20 años por su música, pero por sus imágenes, es muy posible.

Bueno, basta de aburrirlos con mi cháchara parlanchina y vamos a divertirnos un poco con estos chicos.

El primer video que se ve más arriba en el post, es el del mencionado tema "Here It Goes Again", fue grabado en 2006 como single de su segundo disco; ideado y dirigido por Trish Sie y la propia banda. Simplemente se trata de una coreografía muy preparada de los cuatro integrantes del grupo bailando sobre cintas de correr, todo en una sola toma de filmación. Algo que parece muy sencillo, pero que se vio, cuesta tiempo y preparación. Muy efectivo.

El siguiente, aunque en apariencia también bastante sencillo como el anterior, es muy atrapante. Se trata del videoclip de su single del 2010 "WTF?". En este caso fue co-dirigido por Tim Nackashi. Un video que los amantes de las artes gráficas van a adorar. 

Ok Go - WTF? - Of The Blue Colour of the Sky | Fuente: Youtube

Otro video muy adorable y que habrá llevado mucho trabajo, es el de la canción "White Knuckles". Una coreografía conjunta entre humanos y perros entrenados muy particular y entretenida. Este single se lanzó en agosto de 2010 y en el video vuelve a participar la coreógrafa Trish Sie, utilizando nuevamente una sola toma fílmica. Para los amantes de los animales.

Ok Go - White Knuckles - Of The Blue Colour of the Sky | Fuente:Youtube

"This Too Shall Pass", sencillo también lanzado en 2010, contó con 2 videoclips oficiales. El primero como parte de la campaña promocional de su último disco, fue dirigido por Brian L. Perkins en Indiana (utilizando como ya es habitual en Ok Go la técnica de un solo plano secuencia para todo el videoclip), contando con la orquesta de vientos Notre Dame Marching Band y casi 50 personas en escena. El segundo, emulando los inventos del Doctor Brown de Volver al Futuro, vuelve a contar con un solo plano secuencia de una máquina casera gigante con una gran historia detrás, que demora cuatro minutos en divertir a los personajes y a todos nosotros también. También se lanzó en 2010 (aquí se verifica que las canciones de Ok Go no son para nada buenas, tienen que hacer un video de la misma canción para poder sacarlo al mercado) y fue dirigido por James Front, además contaron con la ayuda de estudiantes del Instituto Tecnológico de California. Todo muy pensado.

Ok Go - This Too Shall Pass - Of The Blue Colour of the Sky | Fuente:Youtube

Ok Go - This Too Shall Pass - Of The Blue Colour of the Sky | Fuente: Youtube

"Last Leaf", la balada del último disco también tiene su videoclip, y muy bueno por cierto. No se cuánto hay de verdad en las imágenes que vemos, pero es asombroso cómo cuentan una historia de dos minutos cuarenta segundos ¡con 215 tostadas!. Co-dirigido con Nadeem Mazen y Ali Mohammad, este video contó con la participación de la compañía de celulares Samsung.

Ok Go - Last Leaf - Of The Blue Colour of the Sky | Fuente:Youtube

Por último mi preferido, me encanta pensar que este video de verdad tomó varios días para hacerse todo de corrido, con las cámaras encendidas las 24 hs del día y los Ok Go ahí para ser filmados. No soy tan ingenuo, se que no es así, pero tiene otra mística mirar este videoclip con esa idea. Lanzado en junio de 2010 y co-dirigido con Eric Gunther y Jeff Lieberman, Ok Go rueda "End Love" en Echo Park, en Los Angeles. Buenísimo.

Ok Go - End Love - Of The Blue Colour of the Sky | Fuente:Youtube

Como verán, un grupo que musicalmente no dice mucho (casi nada), pero que tienen una gran imaginación para otras cosas, que también son de agradecer.
Y si no les alcanzó con los que dejé acá, o tienen ganas de más (sí, sí, hay más. Incluso uno muy bueno interactivo). Pueden acceder a su canal de Youtube.