sábado, 30 de julio de 2011

Bandas que (tal vez) no conoces Vol. 3 | Chad Vangaalen: Un artista gigante


En esta tercera entrega de la sección de "bandas desconocidas" de The Wine Song voy a romper una regla implícita y no les presentaré un grupo de música, sino un artista solista; que además de hacer una música encantadora, se dedica a otras ramas del arte. Dibujo, pintura y cine son algunas de las disciplinas que este hombre maneja casi a la perfección y las utiliza como complemento de su arte principal, la música; que además la ejecuta en solitario y con varios instrumentos creados por él mismo. Un verdadero genio, como lo llamaríamos los amigos.

El super hombre es Chad Vangaalen, joven nacido en Alberta, Canadá en 1977. Él deambula por muchos géneros musicales, hasta tal punto de no poder encasillarlo en ninguno. Tal vez lo más característico de su música esté apuntado hacia el Indie y el Folk Rock, pero también acaricia antípodas como la Electrónica o el Hard Rock sin preocuparse. La principal definición que le cabría es la de "experimentación", tanto con su música como con sus increíbles dibujos.


Lo conocí, como a la mayoría de artistas de esta sección, de casualidad gracias a su magnífico videoclip del tema "Molten Light" de su disco Soft Airplane (Flemish Eye, 2008); que así como todo su arte conceptual, está íntegramente realizado por él mismo. Me atrajeron tanto esos dibujos psicodélicos y esa música lenta pero vibrante - con una letra original por demás -, que automáticamente puse todo mi empeño en conseguir más cosas de este artista. Obviamente fue, y sigue siendo, imposible conseguir algo suyo por aquí, pero otra vez La Red me facilitó la tarea (Muchas veces recuerdo cuando no existía Internet y teníamos que arreglarnos de forma "artesanal" para conseguir la música que nos gustaba; seguramente que nos la ingeniábamos, pero siempre pienso que muchos artistas, hoy famosos, no lo hubieran sido en aquella época, sin ningún tipo de difusión. Por otro lado, también pienso la cantidad de músicos que no conocí por no tener acceso a ese tipo de información. En fin, ¡Gracias Internet!)

  • El artistaChad Vangaalen
  • Historia: Nació en Calgary, Alberta, Canadá en 1977. Comenzó su carrera a los 24 años, haciendo música en su habitación. Grabó su primer disco en el 2004 con  material extraído de sus años independientes.
  • El género: Indie Rock, Folk, Electrónica.
  • La perla: Además de tocar él solo todos los instrumentos de sus discos, se encarga del arte conceptual, los videoclips, la edición, producción, etc. Un verdadero hombre-orquesta.
  • El dato: Con su último disco lanzado en mayo de este año ya lleva cuatro editados, sin contar singles y EPs muy meritorios. Además tiene un disco editado bajo el seudónimo Black Mold, mucho más electrónico.
  • Ideal para: Escuchar tranquilo, con luz apagada y auriculares. Algunas experiencias informan que es perfecto para estados "alterados" de la psique.
Chad Vangaalen - Molten Light - Soft Airplane | Fuente: Youtube

Lo que más atrapa de Vangaalen aparte de su música inquieta, sofocante, intranquila por momentos y de sus trabajos como artista gráfico (con esas imágenes que podrían haber salido del Muro de Pink Floyd), son sus letras - para el que no las entienda, use cualquier traductor on-line. Valen la pena - que hablan tranquilamente de la muerte, las desgracias humanas, la traición, el desamor y miles de tópicos no muy tocados en la actualidad, tanto tristes como no. Para sostener esto paso a describirles mínimamente la discografía de este gran Artista (con mayúscula)

2004 - Infiniheart



El debut de Chad Vangaalen fue en realidad una recopilación de sus obras independientes pasadas. Originalmente fue lanzado por el sello también independiente Flemish Eye, pero al año siguiente se hizo con los derechos Sub Pop (sello Folk bastante conocido en Norteamérica) y lo lanzó con algunos temas más. Todas las canciones fueron grabadas en el sótano de la casa de Vangaalen, con la mayoría de instrumentos tocados por él y varios fabricados por él. Las críticas en ese momento fueron muy favorables, y comparaban al artista con gente de la talla de The Flaming Lips y Neil Young.

Personalmente Inifiniheart me parece el disco más lento y tal vez el de más difícil escucha. Con muchos ritmos quedados o trabados, pero a los que si se presta más atención se encuentra su lógica y llegan a gustar. La voz del cantante puede que resulte un tanto incómoda al principio, pero si uno se acostumbra a ella se da cuenta que, junto con la música, ninguna otra voz quedaría bien. Temas como "Blood Machine", "Kill Me In My Sleep" o "I Miss You Like I Miss You" demuestran claramente lo que mencioné, grandes canciones incómodas.

El tema del disco para mi: "Clinically Dead", el tema con que abre el disco es el que cuenta con el ritmo más endiablado y con una letra que me encanta.

"Clinically I was dead
But the modem inside my head 
was still working
So they put me into a machine
And let my brain dream"

Chad Vangaalen - Clinically Dead - Infiniheart | Fuente: Youtube


2006 - Skelliconnection


El segundo disco del canadiense es el que realmente lo define como el tipo de artista que es. Todo lo que era amague y asomo en Infiniheart, en este llega a su cima. Fue lanzado en agosto de 2006 también por Flemish Eye y por Sub Pop en Estados Unidos. Participó del premio Polaris Music Prize de ese año sin poder ganarlo, pero haciéndose tímidamente de un nombre en la escena Indie norteamericana; como lo demuestra el hecho de haber sido usado un tema de este disco ("Gubbish") en la serie estadounidense The O. C.

En mi opinión Skelliconnection es el escalón necesario que necesitaba Vangaalen para tener un mínimo de "pegada" en los Estados Unidos (después, si no lo consiguió, no fue porque el disco fuera malo). Otra vez vuelve a presentarse la omnipresencia del artista en todos los instrumentos, voces, dibujos, arte de tapa y demás. Nombrar solo algunos temas como los más importantes del disco sería un error garrafal, ya que las quince canciones que conforman el álbum son sobresalientes y cada una de ellas, si se les da el tiempo necesario, te trasladan a un lugar distinto; cada uno más lisérgico que el anterior. Por ejemplo "Red Hot Drops" que se lo emparentó directamente con el consumo de drogas intravenosas, o "Rolling Thunder" con ese coro macabro que parece salido de un cuento de brujas, o "Wing Finger" que solamente con esa guitarra con mezcla de banjo me sacan siempre un atisbo de lagrima. El mejor disco del artista si no estuviera el siguiente.

El tema del disco para mi: "Graveyard" tan melancólica como atrapante.

"I laid you down
In a wooden box, with lonesome thoughts 
Down in the graveyard"


Chad Vangaalen - Graveyard - Skelliconnection | Fuente: Youtube


2008 - Soft Airplane


El tercer disco de Chad Vangaalen significa para quien escribe estas líneas, el tope culmine del artista, su mayor obra hasta el momento; la más clara, la más personal y la que más cala hondo en el oyente que le da la oportunidad. Fue grabado a mediados de 2008 y lanzado en septiembre de ese mismo año. Otra vez se repite la "fórmula Vangaalen" de grabar él mismo exclusivamente la mayoría de instrumentos y voces en el sótano de su casa. 

En Soft Airplane se presentan nuevamente sus exquisitas letras inéditas; como "Cries Of The Dead" o "Rabid Bits Of Time" que abordan una vez más el tema de la muerte sin ningún tipo de tabú o vergüenza, "Old Man + The Sea" que cuenta la historia de un viejo marino y su promesa incumplida, o la fábula hecha canción "Molten Light" con bruja incluida. Una de las cosas que más destaco de este disco es la excelente producción con que fue grabado; temas como "Bare Feet On Wet Griptape" o "Phantom Anthills" no parecen pertenecer a un disco independiente, por lo bien que suenan. Además, en mi opinión, este es el disco más rockero (o eléctrico si se quiere) del canadiense, para respaldar esta afirmación ahí tenemos por ejemplo a "Bones Of Men" con las guitarras bien arriba. Este es uno de esos discos que cada vez que uno lo escucha descubre cosas nuevas, un disco para tener en cuenta, un disco encantador.

El tema del disco para mi: "Willow Tree" con una melodía, una voz y una letra emocionantes.
"And you can take my body
Put it in a boat 
Light it on fire. 
You can use the kerosene"

Chad Vangaalen - Willow Tree - Soft Airplane | Fuente: Youtube



2011 - Diaper Island


El último disco del canadiense hasta el momento se editó en mayo de este año, como siempre por los sellos Flemish Eye y Sub Pop. Este es el primer disco que Vangaalen graba en su nuevo estudio hogareño, de nombre Yoko Ono (ya abandonó el sótano, ¡Qué vendido!).

Al ser un disco nuevo, todavía no lo tengo muy escuchado; pero me siento capaz de hacer una crítica relativamente decente. Me parece que para grabar Diaper Island, Vangaalen se basó mucho en sus famosos compatriotas Arcade Fire, por eso el disco suena tan Indie Folk "comercial" y se pierde un poco de la experimentación que hacían gala los discos previos. Por ejemplo, ya en el inicio con "Do Not Fear" o "Peace On The Rise" se ven estas influencias; lo cual no quiere decir que sea un disco malo ni nada de eso, pero para los que veníamos acostumbrados a las "locuras" del canadiense, este disco resulta un mínimo bajón. Tiene grandes temas que rememoran esa genialidad que lo caracterizaba y que evidencian que la mente del artista no está ausente. Por ejemplo, ahí tenemos a "Replace Me" con un ritmo acelerado y unos toques bien "Vangaalen", la melodiosa "Sara" o "Freedom For a Policeman" que cuenta con una de las ya clásicas letras semi-filosóficas del artista.

El tema del disco para mi: "Burning Photographs" con ritmo acelerado y con una melodía que recuerda al Chad Vangaalen de los anteriores discos.

Chad Vangaalen - Burning Photographs - Diaper Island | Fuente: Youtube



Hasta aquí la discografía de un excelente artista con nula difusión en nuestro país y los alrededores. Espero que esta crítica sirva para que aunque sea se lo nombre un poco y que esté a la altura de su obra; si no es así, siempre se puede volver a sus discos y comprobarlo.
Les dejo aquí un lugar en donde pueden encontrar todos los discos mencionados. Recomiendo también que vean sus videos en Youtube, son maravillosos.

sábado, 9 de julio de 2011

Compilados que valen la pena Vol. 2 | Blur: The Best Of


Nueva entrega de la sección preferida de los melómanos más haraganes. Aquellos, entre los que en algunas oportunidades me incluyo, que no tienen ganas de "fumarse" la discografía completa de una banda inédita para ellos, pero sí tienen ganas de conocerla. Como comentaba en el capítulo anterior, para esto (y para otras muchas cosas no tan "artísticas") existen los llamados discos compilados, recopilatorios, seleccionados, refritos, grandes éxitos o como quieran llamarlos.

Los mismos son, en muchos casos, una herramienta muy útil para acercarse de poco a un grupo, que de otra forma no se conocería. En este caso les traigo un disco de una banda que es archi-conocida, no tanto por su nombre, sino por los éxitos que fueron escribiendo a lo largo de su carrera; una banda extinta (esperemos que reviva), que surgió en los '90 en plena ola Britpop y que contaba con músicos que luego realizaron cosas muy importantes (léase Damon Albarn - voz -, pero también Graham Coxon - guitarra -). El disco se llama The Best Of y pertenece a los británicos Blur.

Blur - Charmless Man - The Best Of  | Fuente: YouTube

Elijo este disco, no por ser un recopilatorio para iniciados, aunque también cumple esa función perfectamente; sino que lo destaco principalmente por su perfecta armonía y selección de canciones, y por la cantidad de éxitos con los que cuenta. Obviamente, muchos fanáticos hubiesen deseado más canciones en él, pero en una relación "duración-buenos temas" este disco es perfecto.

Ni bien empieza con la medio tiempo "Beetlebum" comenzamos a mover la cabeza y no paramos hasta la última e inédita "Music Is My Radar"; claro que se baja un poco de ritmo en algunos parajes del disco ("Tender", "No Distance Left To Run"), pero uno nunca se aburre o deja de prestar atención en los 77 minutos en que la música fluye. Un puñado de temas clásicos de los '90 se encuentran en este disco, por nombrar algunos: "Girls & Boys" (ese llamado desesperado a la fiesta que necesitaban los jovenes ingleses de aquel entonces), "Song 2" (canción que cada vez que la escucho me recuerda al juego FIFA '98 con tanta añoranza), "Parklife" (el primer gran éxito de Blur) o "Coffee and TV" (ese temazo de fines de los '90 que me devolvió el amor que sentía por la banda).

Blur - Country House - The Best Of | Fuente: YouTube

The Best Of se publicó en octubre del año 2000 bajo el sello Food Records, y significó el último disco de la banda con esa discográfica. Contiene canciones de los seis discos previos, entre los que se encuentran Parklife (1994, Food) y Blur (1997, Food). Luego de este, la banda grabaría su último disco hasta la fecha, de nombre Think Tank (2003, Parlophone) y finalmente se disolverían ese mismo año, con encontronazos fugaces e intermitentes en estos últimos tiempos.

Particularmente pienso que The Best Of  se publicó en el momento exacto. Con la pelea mediatíca fabricada entre Blur y Oasis terminada y olvidada, y con el ascenso de las nuevas bandas independientes americanas que amenazaban con llevarse todo el público europeo por delante, había que llamar la atención juvenil de alguna forma. A principios de la pasada década, las cosas estaban difíciles para el viejo Brit Pop, por eso este disco trajo un aire refrescante a la banda y, principalmente, a la discográfica que se estaba yendo al tacho. A nivel de ventas al disco le fue realmente muy bien, sobrepasando el millón de copias vendidas sólo en el Reino Unido; y a nivel de críticas, quedó muy bien parado, con puntajes casi perfectos en la mayoría de publicaciones musicales internacionales.

Blur - Coffe and TV - The Best Of | Fuente: YouTube

Personalmente creo que es un disco redondo, que sintetiza muy bien la historia de la banda y define ampliamente lo que significó Blur para la época, y lo que sigue influyendo en las generaciones actuales. Sigo con mi doctrina de no puntuar discos recopilatorios, debido a que no fueron grabados para ser un todo conjunto, sino una suma de partes importantes. Pero aconsejo a los que no hayan escuchado nunca a los ingleses que este disco es el indicado para ello. Se van a dar cuenta que la mayoría de las canciones ya las conocían.

sábado, 11 de junio de 2011

Tin Machine | La máquina de dar sorpresas


Si alguno que esté dando vueltas por aquí todavía no conoce la carrera musical del gran David Bowie (que no creo que sean tantos), desde ya le estoy diciendo que se está perdiendo a un gran artista con muchas caras y facetas a lo largo de toda su vida musical. Es que empezó siendo bien rockero, luego paso al Techno, al Pop, al progresivo sinfónico, al Glam... sin perder nunca su estilo distintivo. Sí, seguramente muchos lo conocen y habrán escuchado (y bailado) más de un tema suyo, pero no muchos conocen (incluyendo varios fanáticos suyos) la superbanda que armó a fines de los '80 con artistas muy virtuosos como Reeves Gabrels en guitarra y los hermanos Tony y Hunt Sales en bajo y batería respectivamente.

El estilo de la banda es un Hard Rock ochentoso bien americano al estilo Van Halen o Bruce Springsteen, con un Gabrels que ni bien se empieza a escuchar el primer tema ("Heavens In Here") ya nos sorprende su versatilidad y genialidad en la guitarra. Una banda que recuerda mucho a los primeros discos del cantante inglés; como aquellos Hunky Dory (1971) y ...Ziggy Stardust... (1972), que para los que tenemos ese recuerdo del Bowie pop y blandito, Tin Machine es una muy grata sorpresa. La banda editó dos discos en total (más uno en vivo del '92), pero del que hablaremos aquí - y el que más me gustó -  es del primero, Tin Machine de 1989.

Tin Machine - Bus Stop - Tin Machine | Fuente: YouTube

  • La banda: Tin Machine
  • El disco: Tin Machine (1989,  EMI)
  • El género: Hard Rock
  • La perla: Obviamente el genial cantante. El resto de los músicos de la banda tuvieron mucha suerte en poder tocar junto a La Leyenda David Bowie.
  • El dato: Tin Machine es el primero de dos discos de estudio de la banda. El posterior se llamó "inteligentemente" Tin Machine II y se editó en 1991. Luego en 1992 sacaron a la venta el disco Live Tin Machine contando con actuaciones en vivo.
  • Ideal para: Empacharse de guitarras.
No se dónde tuvo la suerte de encontrar David Bowie al genial guitarrista estadounidense Reeves Gabrels, pero la verdad que lo felicito. Unos riffs, unos solos, un despliegue general de la guitarra que son la envidia de todo guitarrista amante del Hard Rock. Pero tanto desarrollo guitarrero a veces hace opacar al resto de la banda, incluso a la limpia y seca voz del Duque Blanco.

Bajo y batería no se quedan atrás en lo que a cobertura musical se refiere, y por momentos son una base sólida y uniforme. De las catorce canciones que contiene el disco, el 80% son bien rockeras y dignas de un buen pogo si se las escuchara en vivo. Por supuesto se encuentran las infaltables baladas que pueblan todo disco de Rock americano desde hace más de 30 años; es que los muchachos buscaban chicas también, no solo de Rock'n'Roll vive el hombre.

Tin Machine - Baby Can Dance - Tin Machine | Fuente: YouTube

Personalmente, las joyas de este disco son casualmente las más "pesaditas" y "rapiditas": el principio de "Under The God" se puede catalogar tranquilamente como un Punk de última hora, luego el tema se hace más rockero hasta un estribillo en que no podés parar de mover la cabeza. Lo mismo pasa con "Sacrifice Yourself", y es un crimen si no la menciono. Nominación especial para "Baby Can Dance" con ese estribillo tan típico del inglés, que solo te da ganas de aplaudirlo. Pero la frutilla del postre es "Bus Stop" la que está a mitad del álbum y solo dura un minuto y medio, una genialidad de estos cuatro monstruos.

Es un disco que no tiene desperdicio y que sorprende a cada minuto. Para los prejuiciosos que piensan que la música de Bowie es solo lo que escucharon en la película Laberinto, escuchen Tin Machine y después hablamos. Una obra maestra que no entiendo por qué no tuvo la recepción que se merece. Pienso que tal vez la época en que se editaron los discos (principios de los '90, con todo el auge del Grunge y la depresión de la juventud) no les fue favorables a este tipo de bandas; y más si recién estaban saliendo, aunque cualquier proyecto con Bowie a la cabeza siempre debiera ser reconocido.

Al disco le pongo un 9.25 ya que hace mucho que no me gusta y me sorprende tanto un grupo como este.

domingo, 29 de mayo de 2011

Pavadas de Internet Vol.1 | El mapa del Metal


Una nueva sección en The Wine Song, en la que traeré aquellas estupideces, pavadas y tonterías que vaya encontrando en la Web acerca de la música, y que a todos nos encanta.

Todos conocemos las radios on-line o los reproductores en línea, pero el que les voy a presentar en esta oportunidad tiene un agregado de originalidad que vale mucho la pena. La idea fue del australiano Patrick Galbraith, un joven diseñador Web que decidió juntar toda su música favorita en un solo sitio y de la manera más amigable posible para escuchar.

Mäp of Metal, que así se llama el proyecto, es como su nombre lo índica un mapa que no representa ninguna región geográfica en particular, pero en el que el usuario puede navegar interactivamente y detenerse en el género musical que más le guste (los géneros se encuentran interrelacionados unos con otros según su "parentesco"). Allí aparecerá una lista de reproducción con todos los artistas y canciones del género elegido, además de una breve reseña de género. Personalmente recomiendo su utilización en modo Full Screen, y en la esquina superior izquierda se encontrarán con el mapa guía del sitio para recorrerlo más rápidamente, además de las referencias del mapa.


Una buena idea que está muy bien pensada, desarrollada, planeada, completísima y realizada con mucho criterio melómano; pero que, como todo en La Red, tiene sus detalles. Aquí podrían ser: el cambio de sonido entre tema y tema, como si no se le hubiera aplicado un filtro nivelador de calidad al reproductor, y la considerable cantidad de temas "muertos" o que generan error con que cuenta la aplicación. Fuera de esto, el sitio es muy divertido, el stream de los temas es óptimo, la variedad de géneros y canciones es impresionante  y lo que es más importante, no requiere ningún tipo de usuario para utilizarlo y es totalmente gratis. Una aplicación que te va a consumir muchas horas libres!

sábado, 21 de mayo de 2011

Mötley Crüe en Buenos Aires | 20/05/2011


Mucho Rock, muchos shows y mucha actividad musical llevamos en lo que va de este mes de mayo. En realidad, en lo que va de este 2011 en el que nos visitaron, y nos visitarán, grandes artistas internacionales. Ayer fue el turno de una gran banda de los '80 que hacía mucho deseaba ver. Y más desde que me perdí aquel gran show bajo la lluvia en el 2008. Estoy hablando de Mötley Crüe, aquel conjunto formado en Los Angeles, EE.UU. hace exactamente 30 años, y que se presentó en nuestro país por segunda vez en el marco de la gira Crüe Fest, junto a Buckcherry. Yo estuve en el show del viernes, pero también estuvieron tocando el jueves en el mismo lugar.

 - Buckcherry -

A las 20.15 hs cuando ingresé al Microestadio Malvinas Argentinas (Argentinos Jrs.) ya estaba sobre el escenario un grupo que a primera vista me pareció una mezcla entre Stone Temple Pilots (por las fachas de sus músicos) y Guns'N'Roses (por la energía y música que desplegaban). Los primeros temas los escuché sin mucha atención, buscando el puesto de hamburguesas más cercano al lugar donde me encontraba; pero luego de haber escuchado tres o cuatro, mi interés y curiosidad fueron en aumento. Y es que yo no conocía a la banda que estaba en escena más que de nombre, pero ni bien terminó el show de Buckcherry me dije a mi mismo "tengo que conseguir algo de ellos". Las razones: me pareció que sonaron muy bien, que hacen una música muy pegadiza y que "It's a Party" y "Crazy Bitch" son dos temazos. Lo cierto es que dejaron el escenario bien caliente para los Mötley.

- Mötley Crüe -


Luego de sus jóvenes conciudadanos, de varios preparativos con la luz encendida y de (al igual que en el show de Ozzy) pasar como tema de entrada "Big Balls" de AC/DC; a las 21.30 hs se presentaron los veteranos Mötley Crüe con su habitual e irremplazable formación: Tommy "estoy cansado que se acuerden de mi porque me comí a la Anderson" Lee (en batería), Nikki "soy gigante y me la re banco (incluso con gente del público)" Sixx (en bajo), Mick "hace 40 años que toco la guitarra, pero siempre quise tocar el bajo (sobretodo por el sonido)" Mars (en guitarra) y Vince "quiero seguir cantando como en Too Fast For Love pero no me sale" Neil (en voz).

Arrancaron con un estruendoso y casi inentendible "Wild Side" y siguieron toda la noche con un éxito tras otro de la era media de la banda. Es decir, pocos temas de sus primeros y últimos discos (que en este caso, me hubiera gustado escuchar). ¿Por qué digo estruendoso? porque así fue como percibí el sonido del show durante toda la velada; muy grave, pesado y sobreexpuesto. ¿Por qué digo casi inentendible? porque en la primer mitad del show (hasta que llegó la balada "Home Sweet Home") había que esperar hasta los estribillos para darse verdadera cuenta de qué tema se trataba. Muchas críticas para una banda tan querida, sí ya lo sé; sin embargo, el show me gustó bastante. El resumen de la noche se traduciría como una gran dicotomía, varios sentimientos encontrados que chocan entre sí.

Mötley Crüe - Kickstart My Heart - 20/05/2011 | Fuente: YouTube

Por ejemplo, como decía más arriba, el show me gustó mucho. Es que el setlist que eligió la banda es irreprochable; y buenos momentos como "Same Ol' Situation (S.O.S)", "Dr. Feelgood" o "Kickstart My Heart" van a ser difícil borrármelos de la memoria. La actitud de la banda fue excelente para con el público, principalmente el simpático de Tommy Lee. Pero hubo momentos en que me sentí estafado, por ejemplo cuando Neil solamente cantaba un cuarto de cada tema porque su voz no le daba más, y ese cuarto además lo cantaba de una forma cortada y exigida que no me gustó para nada; o cuando escuché los primeros acordes del show con ese sonido "a balde" - que en primer lugar asocié a mi ubicación en el recinto, pero pronto descubrí que se debía a la horrible afinación de la guitarra de Mars, cuyo Solo me dio la pauta de lo grave que sonaba todo -. Por esto digo que tengo sentimientos encontrados en la calificación del recital.

En resumen:
  • Sonido: 5 puntos. Un sonido un tanto feo dominó por completo la primera mitad del show, luego se fue arreglando paulatinamente, pero nunca fue perfecto.
  • Duración: 6.50 puntos. Hora y media de show en total. Para una banda con 30 años de trayectoria me parece poco.
  • Lista de temas: 9 puntos. Estuvieron todos los éxitos que desde chico quise escuchar en vivo. Faltaron los éxitos que quise escuchar de grande (del genial Saints of Los Angeles, 2008, solo tocaron uno). Quedará para la próxima...
  • Locación8 puntos. El estadio es muy bueno en cuanto a capacidad y visibilidad, pero no es perfecto debido a su ubicación en la ciudad. Los habitantes de La Paternal no pensarán lo mismo seguramente. Mención especial para los buchones lasers de la gente de Seguridad, que se prendían a la mínima muestra de entusiasmo. Me parece perfecto que cuiden a la gente, pero esto es un recital de Rock chicos; si no podemos hacer "caballito" a las chicas en "Girls, Girls, Girls", ¿dónde se puede?
  • Actitud de la banda: 7 puntos. Tommy y Nikki la rockean de verdad, Mars por problemas de salud no puede y Neil quiere pero no puede.
  • Actitud del público: 10 puntos. Somos muy Glam los argentinos, ayer lo sentí de verdad. Aunque me parezcan una pavada los cantitos a las bandas, lograron ponerme la piel de gallina en más de una oportunidad.
  • Emoción personal: 7 puntos. Hace más de quince años que escucho Mötley Crüe y era una deuda pendiente la de poder verlos en directo.
  • Total: 7.50 puntos. Personalmente me parece una nota muy baja para semejante banda, pero realmente y siendo lo más objetivo posible, es lo que dejaron ayer en el Malvinas.

Fotos: Rolling Stone, Rock and Pop

    sábado, 14 de mayo de 2011

    Helloween & Stratovarius en Buenos Aires | 11/05/2011


    Una jornada muy Power Metal fue la que, por suerte, me tocó vivir el pasado miércoles en el barrio porteño de Palermo. Y es que dos grandes de este género se presentaron en el marco de la gira presentación de sendos últimos discos. Dos últimos discos que en el primer caso (Stratovarius - Polaris, 2009) me gustó mucho, aunque sigue la misma línea de siempre Elysium, 2011) aún no he escuchado; y en el segundo (Helloween - 7 Sinners, 2010) me sorprendió; apuntando más para el lado Industrial del Metal que al Épico acostumbrado.

    Estrenando personalmente el renovado teatro Groove de Buenos Aires, un poco chico e incómodo pero muy acogedor. Entre pintas de cerveza, primero escuché una banda soporte nacional que sonaba muy bien. Luego de ellos (lamento no recordar el nombre del grupo) y trás muchos minutos de preparación de sonido, escenario, etc. aparecieron los virtuosos finlandeses en escena.

     - Stratovarius -


    Ya pasadas las 21.15 hs salieron los cinco finlandeses más épicos y versados que conozco (tampoco conozco a mucha gente de Finlandia). Arrancaron a medio tiempo con "Infernal Maze", y creo que fue acertadísimo que así sea, ya que los problemas de sonido originales - que incluyeron, cambio de cable del teclado de Johansson  y reafinaciones del bajo de Porra durante el transcurso del tema - no habrían caído tan bien en una canción más importante. Como por ejemplo la segunda que Stratovarius tocó; esa emocionante muestra de habilidad musical que me llenó de emoción y nostalgia (un sentimiento que se apoderó de mi durante toda la velada), la gran "Eagleheart".

    Luego de eso vinieron otros muchos clásicos que siempre quise escuchar en vivo - y más después de haber oído el gran disco en directo del grupo: Visions of Europe de 1998 -;  por ejemplo "The Kiss of Judas" o "Hunting High and Low". Aunque los momentos más altos del show y los que realmente consiguieron ponerme la piel de gallina fueron la muy festejada "Paradise" y la cereza del postre hacia el final "Black Diamond".

     Stratovarius - Eagleheart - 11/05/2011 | Fuente: YouTube

    Para destacar: los solos a dúo entre teclado (Johansson) y guitarra (Kupiainen), la fuerza del baterista Jörg Michael y el sostén vocal que demostró Timo Kotipelto en todo el show. En este caso, yo tenía la total convicción previa de que el cantante no iba a poder llegar a los registros vocales que posee en los discos; pero sí, se defendió con mucha altura. Hay que mencionar además el buen humor de toda la banda durante el concierto. Incluso le cantaron el Feliz Cumpleaños al guitarrista Mathias Kupiainen con torta y todo.

    Seguramente faltaron varios temas (principalmente de Episode, 1996, y algún que otro de Polaris, del cual solo tocaron "Winter Skies") y un poco más de tiempo para este conjunto. Pero las circunstancias de estilo festival, no les dieron la oportunidad.

    Puntaje: 8.50

     - Helloween -


    Más cerca de las 23 hs que de las 22 hs que es el horario en que estaba anunciado el show, ya me encontraba viendo por tercera vez en mi vida al padre alemán del Power Metal. Muy indiferente yo, debido al paupérrimo show que dieron en el 2007, quedé al final totalmente sorprendido y emocionado; más que nada por el cambio de actitud que demostró Helloween en un lapso tan corto de tiempo. Es que Andi Deris, cantante, se convirtió en un frontman a seguir con mucho interés: tira un chiste atrás de otro, se mueve por todo el escenario, hace participar al público; y todo esto gracias al divertido tono español que aprendió en sus años vividos en Tenerife.

    El show arrancó con "For Those About to Rock..."; sí, sí, están leyendo bien, el clásico de AC/DC, pero al estilo openning theme, algo así como hacían Los Ramones con "El Bueno, El Malo y El Feo". Luego sí, con todos los músicos en escena, arrancaron con "Are You Metal?" y una combinación explosiva con "Eagle Fly Free". De ahí en adelante siguieron en un crescendo virtuoso, poderoso y de puños apretados.

    Helloween - Eagle Fly Free - 11/05/2011 | Fuente: YouTube

    En la única parte que bajaron fue en el dúo de guitarras acústicas "Forever and One", pero aparte de eso fue un concierto de Metal a pleno, con un sonido apabullante. ¿Los mejores? "Steel Tormentor" (que me hizo viajar 12 años hacía atrás en el tiempo), "World of Fantasy" (la mejor del último disco) y "Future World" (ya en los bises memorables). Personalmente me hubiese gustado escuchar "Push" o "Falling to Pieces", pero me voy más que conforme con el setlist brindado. Y eso que no llegué a escuchar el último bis "Dr. Stein", porque me fui cuando pensé que el show ya se había terminado...

    Para destacar: como lo dije antes, el increíblemente buen humor de toda la banda en general, y de Deris en particular (inolvidable las bromas hacia el baterista Dani Löble cuando le decía "maricón", o el jueguito con Markus Grosskopf cuando le hizo arrancar las cuerdas del bajo). El sonido estruendoso pero muy definido que hizo vibrar a Groove. El virtuosísmo de toda la banda, en especial del gigante Sascha Gerstner; y el anciano Michael Weikath en las guitarras. La batería de ¡cuádruple! bombo de Löble. Y el medley que hicieron de "Keepers of the Seven Keys / The King for a 1000 Years / Halloween" que les quedó una pinturita, para grabarlo en el próximo disco.

    Puntaje: 8.50

    Fotos: www.envivoenbuenosaires.com.ar

    domingo, 24 de abril de 2011

    Defendiendo al cantante suplente Vol. 1 | Michale Graves (The Misfits)


    Pensando y pensando qué podía escribir en mi blog musical, teniendo tantas cosas en mente de las que escribir además, una charla con amigos me decidió el tema. La pregunta que voy a tratar de responder es ¿Por qué tanta gente defenestra, sin el más mínimo sentido, con total subjetividad y sin demasiadas razones, a los músicos que reemplazan a otros músicos con más historia, principalmente a los cantantes, en grandes bandas? Para esta pregunta totalmente filosófica y existencial, no se encuentra una única respuesta; sino que pueden haber varias, y que las mismas no satisfagan a todos.

    La primer respuesta puede ser que nuestra idiosincrasia nacionalista argentina, amante de lo antiguo y fóbica de todo lo que resulte una novedad, tire para atrás cualquier cambio que signifique una añoranza a lo usual y cotidiano. Un ejemplo, "no me gusta este nuevo jugador de la Selección, prefería al anterior" "¿Lo viste jugar alguna vez?" "No"... Diálogos así son muy escuchados por los bares y calles de nuestra ciudad. Pero no es solo aquí que ese apego a lo anterior se vuelve patológico. Gracias a esta herramienta fundamental que es la Internet, hice muchos "amigos musicales" de varias partes del mundo; y en la mayoría de los casos, los suplentes musicales, producen la misma sensación del prejuicio despreciativo que azota nuestras tierras.

    Entonces, si es un fenómeno mundial, ¿Por qué ocurrirá?. Como lo pueden ver en mi perfil de usuario de Blogger, no soy psicólogo, ni nada parecido; por lo tanto, no me voy a poner a analizar la cabeza de las personas. Aquí estoy para hablar un poco de música; y por tal, les voy a presentar a mi primer defendido de esta sección: el señor Michale Graves, nacido en Nueva Jersey en 1975, famoso por ser el reemplazante del gran Glenn Danzig en la legendaria banda de Punk-Horror, The Misfits.


    La historia de Misfits es, como sus fachas, bastante bizarra. La primera etapa de la banda (la más popular y querida por el público) sólo duró seis años (de 1977 a 1983), y de esto ya hace casi treinta; pero el recuerdo sigue muy vivo en todos los fans como para olvidarlo o dejarlo de lado. En 1983, Danzig decide dar un paso al costado por diferencias con Jerry Only, el bajista y co-fundador del grupo. A fines de los '80, Only y su hermano guitarrista Doyle Wolfgang von Frankenstein (¡pavada de nombrecito!) convienen en que había que seguir con la banda. Por lo que realizan una audición de vocalistas, en la que cae el solista Michale Emmanuel alias Graves, que solo había participado en proyectos de menor calibre y como cantante solista. En mi opinión, allí empieza otra época dorada de Misfits, totalmente desestimada.

    Y digo "otra" época dorada, porque la primera con Danzig es innegable e intachable. No voy a ser tan necio para decir que Graves siquiera se acerca al gran registro vocal del veterano Glenn, pero tampoco es la "mosquita muerta" que muchos se empeñan en menospreciar. Temas escritos completamente por él como "Saturday Night", "The Haunting" o "Dig Up Her Bones", no solo recuerdan a las melodías de las hermosas canciones de los viejos Misfits; sino que también pueden considerarse como grandes clásicos del Punk Rock.
    Misfits - One Millions Years B.C. - Cuts From The Crypt | Fuente: YouTube

    Obviamente me costó acostumbrarme a su voz y a reconocer la calidad musical que alcanzó Misfits con Graves al micrófono. Pero por lo menos le di la oportunidad, cosa que recomiendo a cualquier amante del género. No dejen de escucharlo por prejuicios, el tipo vale la pena. Esos prejuicios que yo mismo tenía en un principio, hicieron que en el 2001 no los fuera a ver cuando visitaron nuestro país ¡Qué error! Escuché que estuvo muy buena esa presentación.

    Finalmente, ese mismo año, Graves dejó la banda por nuevos conflictos con Jerry Only, el único integrante original que queda en la banda. Pero este hecho no va a opacar los grandes legados que nos dejó Graves en formato de disco: American Psycho (1997, Geffen Records), Famous Monsters (1999, Radrunner) y Cuts From The Crypt (2001, Roadrunner) un compilado de demos, rarezas y covers. Discos que yo no dejo de recomendar y defender, así como a su desdeñado cantante.

    Misfits - Hunting Human - Famous Monsters | Fuente: YouTube


    jueves, 14 de abril de 2011

    Motörhead en Buenos Aires | 12/04/2011


    Siguiendo con la ola de recitales previstos para esta primera mitad del año en Buenos Aires (y eso que me perdí varios...), el martes pasado tuve la oportunidad de quitarme una deuda pendiente con el Rock 'n' Roll. El gran Ian "Lemmy" Kilmister se presentaba en el Luna Park en el marco de su gira presentación de The World is Yours, su último disco que solo tiene unos pocos meses de vida; y yo que nunca lo había visto en directo, no podía perderme esa oportunidad.

    Eran las 21.15 y todavía había una cola de gente esperando, de 200 metros de largo, cuando el inicio del show se anunció a las 21.00. Es verdad que yo tuve un poco de culpa en llegar sobre la hora al lugar, pero la malísima organización del show (no se si son personal fijo del Luna) hizo todo lo posible para que me pierda el inicio del concierto. Llegué con "We Are Motorhead" ya terminando y muy poco lugar donde ubicarme. ¡Gracias organización!

    Otra de las cosas que quejarme - Sí, por desgracia hubo más quejas que satisfacciones en el recital - fue el pésimo sonido que dominó por completo el show. Una bola de ruido inentendible que yo adjudiqué directamente a mi mala posición en el recinto; pero no, un amigo que se animó a estar en el campo tuvo la misma impresión. Está bien que Motörhead son mucho ruido, muy pesados y muy rockeros, pero de ahí a no entender la mayoría de los temas hay una larga brecha.

    Motörhead - We Are Motorhead / Stay Clean - 12/04/2011 | Fuente: Youtube

    Y la tercer queja (prometo que no hay más) es para la duración del show. Todos sabemos que hace varios años ni la voz ni la salud de Lemmy le permiten estar en el escenario por mucho tiempo. Vamos, que el hombre tiene 65 años y no es una persona de las que se cuidan precisamente (el bajarse medio vaso de cerveza en medio del show demuestra un poco eso). Pero setenta y cinco minutos de show, de los cuales diez estuvieron en escena primero el guitarrista Phill Campbell haciendo un solo y luego Mikkey Dee haciendo lo propio, y cinco minutos más entre bises, dejan un total de sesenta minutos para disfrutar de la moribunda y característica voz de Lemmy y su bajo-guitarra. No me alcanza.

    Los momentos altos del show estuvieron, en mi opinión, en los primeros temas "Stay Clean" y en los últimos "Going To Brazil", "Ace of Spades" y "Overkill"; sin dejar de nombrar ese temazo que editaron en su última placa, "I Know How To Die" que sonó muy bien. Al resto no las distinguí bien. ¿Si hubo temas que faltaron?, preguntar eso de una banda que lleva más de 35 años de carrera y veinte discos publicados es una picardía, para nombrar algunos "Born to Raise Hell", "Bomber" o la personalmente esperada "R.A.M.O.N.E.S."

    En resumen:
    • Sonido4.50 puntos. Una pelota de ruido espeluznante. ¿Y la voz de Lemmy?, no se, ni la escuchaba.
    • Duración5 puntos. Que le consigan un pulmotor más grande a Lemmy para que aguante un poco más la próxima.
    • Lista de temas: 6 puntos. Con la cantidad de clásicos que tienen, podrían haber hecho una lista más entretenida.
    • Locación8 puntos. El Luna Park es un clásico de la ciudad. Grande y con buena visibilidad general. El martes no me pareció tan lindo, echenlé la culpa a la organización.
    • Actitud de la banda: 8 puntos. Lemmy, por lo que se sabe, no es mucho de agradecer; pero el martes pasado se lo veía contento de verdad
    • Actitud del público9.50 puntos. ¡Cómo lo queremos a Lemmy! El público no bajó los brazos un segundo y por momentos en "Ace of Spades" el campo parecía una batalla en el infierno.
    • Emoción personal6.50 puntos. Previo al show estaba muy entusiasmado por poder ver a la gran banda de Rock 'N' Roll que se presentaba. Durante el mismo, todo fue muy distinto.
    • Total6.75 puntos. Hubo cosas que me amargaron la noche, pero "Don't forget us. We are Motörhead, and we play Rock 'N' Roll"

    domingo, 3 de abril de 2011

    Jane's Addiction en Buenos Aires | 31/03/2011


    Gracias al comentario que un gran amigo hizo en el post de los próximos conciertos en Buenos Aires, me enteré que la excelente e infravalorada banda californiana Jane's Addiction se iba a estar presentando en nuestro país y además de manera gratuita. Es que la empresa de telefonía celular Movistar está organizando este año el festival Movistar Free Music, en el que se presentarán grandes artistas musicales de forma gratuita para todos los usuarios de esa compañía. Ni lerdo ni perezoso, me hice con dos entradas para dicha fiesta, ¿Cómo no iba a ver al gran Dave Navarro en vivo? Y no me equivoqué en la elección.


    Antes de las 20.00 hs ya me encontraba en el pequeño pero acogedor Anfiteatro de Puerto Madero, donde se llevaba a cabo la cita. La primer sorpresa de la noche me la lleve con Edward Shape & The Magnetic Zeros, una "orquesta" de Indie-Folk muy parecida a Arcade Fire en su música, pero de Los Angeles. Con muchísimos instrumentos en escena (acordeón, teclados, armónica, dos baterías, xilófono, trompeta, maracas, etc.), emoción y mensaje de "amor y paz", sensibilizaron a toda la audiencia; e incluso se sensibilizaron ellos. Una banda que personalmente me aburrió, pero que dejó el ambiente muy cálido para lo que vendría después. Nota aparte para las fachas y el "estado" del cantante Alex Ebert.


    Recién pasaditas las 21.00 hs el telón negro que cubría el escenario se cayó y ahí me llevé la segunda sorpresa de la noche. Un sonido tan limpio, claro, potente, apabullante, me dominó por completo (por momentos sentía que la batería me pegaba directo en la garganta). Dos chicas colgadas de unos ganchos hacían un número acrobático y "Whores" sonaba por primera vez en más de 20 años en nuestro país. Es que Perry Farrell, vocalista de la banda, es el creador del afamado festival Lollapalooza que por primera vez se realizará fuera de los Estados Unidos en nuestra vecina ciudad de Santiago de Chile; por esto se decidieron a pasar por Argentina, a saldar algunas deudas pendientes.

    Como dije, quedé totalmente sorprendido por el sonido que desarrolló la banda. Es que en un lugar al aire libre, con un escenario pequeño y con tan poco despliegue tecnológico, lo lógico era pensar otra cosa. Pero no, el bajo del (gran) sustituto Chris Chaney y la batería del eterno Stephen Perkins (que terminó el recital en culo) fueron arrolladores, pero no por ello dejaron de ser claros en todo momento. Y si a esto le sumamos la grandilocuencia de los solos de Navarro y la voz añiñada de Farrell, formamos un conjunto perfecto.

    Jane's Addiction - Stop! - 31/03/2011 Bs. As. | Fuente: YouTube

    Los puntos fuertes del show en mi opinión estuvieron en la sexual "Ted, Just Admite It..." (todo el show fue muy sensual, con dos chicas - entre ellas la esposa de Farrell - bailando sugerentemente), en la popular "Been Caught Steeling", en la explosiva "Stop!" (recién en los bises y con papelitos volando por los aires) y en la funkie "Had A Dad". Mención especial para la interpretación del nuevo tema inédito del grupo "End Of The Lines", que suena muy bien, y para el final con todo Jane's Addiction en plan acústico tocando "Jane Says". Quizá un final muy abajo para una banda de Rock, pero igualmente un lindo final.

    Lo que sí me extrañó fueron las versiones que hicieron de ciertos temas. Por supuesto no se puede pedir que una canción en vivo suene exactamente igual que en el disco, pero hubo momentos en que me costó algunos minutos descubrir qué melodía estaban interpretando. Fue el caso de la ya nombrada "Ted, Just Admite It...", la extensa "Three Days" o la balada "Then She Did". Por otro lado, los grandes temas ausentes en este caso fueron "Standing In The Shower" que me encanta, y cualquiera de Strays, su disco del 2003, del que solo tocaron "Superhero". Pero en general las canciones cumplieron la expectativa de la mayoría del público y, con un setlist tan corto, mucho más no se podía pedir.

    En resumen:
    • Sonido: 10 puntos. No quiero exagerar, pero nunca en un concierto al aire libre escuché un sonido mejor.
    • Duración: 5.50 puntos. Trece temas, una hora treinta minutos, es un tiempo que está relativamente bien. Aunque aquí estamos acostumbrados a largas sesiones de música.
    • Lista de temas: 9 puntos. Buenísimas canciones, aunque hubiera pedido más de Strays. Por ejemplo "Just Because".
    • Locación: 9 puntos. Aunque bastante alejada de la urbanización, como el ya vapuleado escenario de Costanera Sur, el lugar era pequeño pero muy cómodo. Además, al ser un anfiteatro, contaba con gradas para el que se quería sentar; y se veía muy bien desde allí.
    • Actitud de la banda: 9 puntos. Muchas ganas y actitud demostradas de parte de Farrell. A Navarro me lo imaginaba más "demostrativo" de lo que estuvo.
    • Actitud del público: 7.50 puntos. Se nota que se esperó a esta banda por veinte años, mucho apoyo al grupo, cantito de feliz cumpleaños a Farrell (52 pirulos, el muy turro) y coreo en todas las canciones. Sin embargo, al ser un evento gratuito, había muchos ahí que no sabían ni de qué se trataba (compañía de un servidor incluida).
    • Emoción personal: 6.50 puntos. Jane's Addiction no es de mis bandas de cabecera, ni mucho menos. Aunque tenía una curiosidad especial por ver qué presentaba este fantástico grupo.
    • Total: 8.50 puntos. Realmente fue un gran concierto el que dieron los californianos el jueves pasado. Con un sonido perfecto y una puesta en escena increíble. Para acordarse a fin de año al momento de hacer las listas de los mejores conciertos.

    Para el que lo quiere, dejo el enlace al concierto completo de Jane's Addiction el 31/03/2011 en Argentina.

    Fotos: Rolling Stone, Rock and Pop.